Neurofilosofía y Pensamiento Actual Neurophilosophy and Contemporary Thought

miércoles, 17 de junio de 2026

The Algorithm and the Aura: Walter Benjamin in the Age of Artificial Intelligence

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

A review of Luciano Ambrosini's chapter (2025): The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin's Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence

Introduction: can a machine have an aura?

In 1936, the German philosopher Walter Benjamin published an essay that would become one of the cornerstones of 20th-century art theory: The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction. There he introduced the concept of the aura: that unique, unrepeatable quality linked to the physical presence of the work and its tradition, which is lost when technical reproduction allows copies to be multiplied indefinitely. Photography and cinema, for Benjamin, were symptoms of this loss, but also bearers of new political functions.

Today, nearly a century later, we face an even more radical transformation. Artificial intelligence does not merely reproduce existing works; it generates new works without the need for a physical original. What, then, remains of the aura? Can an algorithm, with its cold mathematical efficiency, produce something that deserves that name?

Luciano Ambrosini, in a chapter published in 2025 within the volume Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times (Springer), addresses precisely this question (Ambrosini, 2025). The author proposes the apparently paradoxical notion of an "algorithmic aura" : a form of authenticity that resides not in the work's materiality or its history, but in its computational origin and the singularity of its generative process.

This approach, as we shall see, is not a mere extrapolation of Benjaminian thought, but a critical revision that attempts to account for the specificities of AI-generated art. From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, Ambrosini's analysis offers valuable tools for thinking about the relationship between technique, authenticity, and aesthetic experience in the context of creative machines (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b).

Benjamin and the aura: a necessary reminder

Before delving into Ambrosini's proposal, it is worth recalling the central elements of Benjaminian theory. For Benjamin, the aura of a work of art is linked to its unique presence in space and time, to its unrepeatable "here and now". This presence confers on the work an authority, an authenticity, that tradition had considered inalienable.

Technical reproduction —lithography, photography, cinema— destroys that uniqueness. By multiplying copies, it separates the work from its original context, makes it accessible to the masses, strips it of its ritual character and gives it a political and pedagogical function. Benjamin saw in this process not only a loss, but also a gain: the possibility of an art in the service of collective emancipation, freed from the privileges of the elite.

AI-generated art, Ambrosini argues, poses an unprecedented challenge to this dichotomy. It is not a matter of reproducing an original, but of generation without an original. The AI work is not a copy of something earlier; it is, in principle, a novel creation. But neither does it have the physical uniqueness of traditional art, because it can be easily replicated and modified. Where, then, does the aura reside?

The "algorithmic aura": a productive paradox

Ambrosini's answer is the proposal of an "algorithmic aura" . This is not a contradiction in terms, but an extension of the Benjaminian concept to adapt it to the technical conditions of the present.

What would this new form of aura consist of? Ambrosini suggests that the authenticity of an AI work resides not in its physical materiality, but in the singularity of its generative process. Each time an algorithm produces a work, it does so on the basis of a dataset, parameters, and an architecture that are unique. Even if the code is the same, the conditions of generation —training data, random seeds, previous interactions— can lead to unrepeatable results.

The "algorithmic aura" would thus be the trace of that unique process, the mark of a non-human intelligence that nevertheless produces something that challenges us, moves us, makes us think. It is not the aura of physical presence, but the vestige of a computational complexity that cannot be reduced to mere repetition.

This notion, as Ambrosini himself warns, is not without problems. Can a machine have "authenticity" in the Benjaminian sense? Are we not projecting onto the algorithm categories that only make sense in the context of human subjectivity? The author offers no definitive answers, but opens a path of inquiry worth exploring.

Fluid authorship and digital democratisation

One of the most relevant aspects of Ambrosini's analysis is his treatment of the question of authorship in AI-generated art. Benjamin already noted that technical reproduction dilutes the figure of the traditional author, making it possible for works to circulate and be transformed by multiple agents.

With artificial intelligence, we witness an even deeper dissolution of the authorial figure. Authorship is no longer attributed to an individual consciousness, but is distributed along a chain of decisions and influences that includes the system's architecture, the provenance of the training data, the parameters selected by the operator, and even the randomness inherent to the generative process. The resulting work has no single father, but rather a diffuse network of contributors. This dispersal is not an anomaly, but the defining trait of a new creative ecology where the boundary between the human creator and the technical medium becomes unrecognizable. Ambrosini captures this transformation under the notion of "fluid authorship" , a concept that dismantles the figure of the creative genius and demands a thorough revision of inherited legal and aesthetic categories.

This fluidity has, however, a positive correlate: the democratisation of art. AI puts creative tools within reach of people without technical or artistic training. Anyone with access to a computer can generate images, music, or texts that previously would have required years of learning. This, as Ambrosini notes, challenges the power structures of the art world —galleries, museums, critics— and opens up the possibility of more inclusive and diverse expression.

Nevertheless, the author also warns of the dangers of this democratisation: the homogenisation of styles, the dependence on the same datasets, the risk that AI perpetuates biases and exclusions. The algorithm, like any tool, can be used to emancipate or to dominate. The difference lies in how we use it.

Ethics, bias, and human agency

Ambrosini devotes a section of his chapter to the ethical considerations of AI-generated art (Ambrosini, 2025). From a Benjaminian perspective, he analyses issues such as algorithmic bias, intellectual property, and the potential manipulation of audiences.

Algorithmic bias is one of the most pressing problems. AI systems learn from historical data, and that data reflects the inequalities and prejudices of our societies. An algorithm trained on Western artworks will generate images that reproduce those canons, ignoring or distorting other traditions. Technical democratisation can thus become a reproduction of cultural hegemony, rather than genuine plurality.

The question of intellectual property is equally complex. If an AI generates a work that closely resembles that of a human artist, who is infringing copyright? The programmer? The user? The system itself? Current laws are not prepared to answer these questions, and Ambrosini suggests we need to rethink the legal framework from scratch.

Finally, the author addresses the need to preserve human agency in the creative process. AI should not replace the artist, but expand their capacities. The danger is not that machines will replace us, but that we will delegate to them decisions that only humans can make —what is beautiful, what is meaningful, what deserves to be remembered.

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Ambrosini's analysis resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). His notion of the "algorithmic aura" can be reinterpreted in light of our three dimensions.

The S (Survival) dimension reminds us that human aesthetic experience is rooted in homeostatic needs. Art moves us because it activates our autonomic nervous system, because it regulates our emotions, because it helps us survive symbolically. AI can generate formally complex objects, but it does not experience that need for regulation. Its "aura", if it exists, is not that of a living being seeking its balance, but that of a machine executing functions.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding the difference between human and algorithmic authenticity. Symbolon is an act of recognition through shared codes, a bridge between subjectivities. When a human contemplates a work, they do not only process forms; they recognise intentions, emotions, meanings. AI can produce works that we interpret as if they had intention, but that intention is projected by us. The "algorithmic aura" is, at bottom, an effect of our interpretation, not an intrinsic property of the algorithm.

The C (Wholeness) dimension points to the human need to close forms, to find coherent totalities. Art satisfies us when it achieves that wholeness. AI can generate formally closed objects, but it does not experience the drive toward wholeness. Its "aura" is, in this sense, a simulacrum of human wholeness.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in Ambrosini's proposal. It is not about rejecting the notion of "algorithmic aura" as false, but about distinguishing levels. At the level of technical production, the concept can be useful for describing the singularity of generative processes. At the level of full aesthetic experience, however, the "aura" remains the patrimony of the living. AI can surprise us, move us, inspire us. But the source of that emotion is not in the algorithm, but in our encounter with the algorithm. It is we who project onto the machine the capacity to move us. And that act of projection is, perhaps, the most human thing about art.

Implications for future research

Ambrosini's chapter opens several promising lines of work. The first is the need for empirical research on how viewers perceive and value AI-generated art. Do they attribute "aura" to these works? Under what conditions? What factors modulate that attribution?

The second line is the development of new legal and ethical frameworks for AI art. Benjaminian categories —original, copy, author, spectator— need to be revised in light of generative technologies. Ambrosini offers clues, but the detailed work remains to be done.

The third line is the exploration of new forms of collaboration between humans and machines. If AI cannot have an aura by itself, perhaps it can help create hybrid works where the human and the algorithmic intertwine. The future of art is not the replacement of the human by the machine, but synergy between the two.

From our perspective, this research should also incorporate a neurobiological dimension. It is not enough to analyse concepts; we must study what happens in the brain when we contemplate an AI work. Are the same regions activated as in human art? Are there differences? Can we measure "aura" in terms of neuronal activation? These are open questions, and answering them is part of the challenge of contemporary neuroaesthetics.

Final considerations: aura as encounter, not as property

Luciano Ambrosini's chapter reminds us that Walter Benjamin's thought, formulated nearly a century ago, remains extraordinarily fertile for thinking about our technological present. His concept of aura, conceived for the age of mechanical reproduction, can be reinterpreted for the age of algorithmic generation.

The notion of "algorithmic aura" is undoubtedly provocative. It forces us to ask what value we attribute to AI-generated works, and why. But perhaps Ambrosini's greatest achievement is to show that the aura is not a fixed property of works, but an effect of our relationship with them. If something has an aura, it is not because it exists in itself, but because we, the viewers, bestow it upon it.

And that is, perhaps, the deepest lesson for our research on the origin of art. Human art does not have an aura because it is "authentic" in a metaphysical sense, but because we treat it as such. We invest it with meaning, connect it with our history, make it part of our world. AI can produce objects that we also invest with meaning. But that act of investiture —that symbolon— remains human. And as long as it does, art, even that generated by algorithms, will continue to be a testimony of our capacity to find meaning in chaos.

References

Ambrosini, Luciano (2025). The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin’s Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence. In Bhabani Shankar Nayak, Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times. Cham: Springer Nature Switzerland. pp. 133-160. https://philpapers.org/rec/AMBTAI

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Doctoral thesis, University of the Basque Country - Euskal Herriko Unibertsitatea]. ADDI Repository. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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El algoritmo y el aura: Walter Benjamin en la era de la inteligencia artificial

Bernabé Mallo

Una reseña del capítulo de Luciano Ambrosini (2025): The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin‘s Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence

Introducción: ¿puede una máquina tener aura?

En 1936, el filósofo alemán Walter Benjamin publicó un ensayo que se convertiría en una de las piedras angulares de la teoría del arte del siglo XX: La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. Allí introdujo el concepto de aura: esa cualidad única, irrepetible, ligada a la presencia física de la obra y a su tradición, que se pierde cuando la reproducción técnica permite multiplicar copias indefinidamente. La fotografía y el cine, para Benjamin, eran síntomas de esta pérdida, pero también portadores de nuevas funciones políticas.

Hoy, casi un siglo después, nos enfrentamos a una transformación aún más radical. La inteligencia artificial no solo reproduce obras existentes; genera obras nuevas sin necesidad de un original físico. ¿Qué queda entonces del aura? ¿Puede un algoritmo, con su fría eficiencia matemática, producir algo que merezca ese nombre?

Luciano Ambrosini, en un capítulo publicado en 2025 dentro del volumen Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times (Springer), aborda precisamente esta cuestión (Ambrosini, 2025). El autor propone la noción, aparentemente paradójica, de un "aura algorítmica" : una forma de autenticidad que no reside en la materialidad de la obra ni en su historia, sino en su origen computacional y en la singularidad de su proceso generativo.

Este planteamiento, como veremos, no es una mera extrapolación del pensamiento benjaminiano, sino una revisión crítica que intenta dar cuenta de las especificidades del arte generado por IA. Desde la perspectiva de nuestra investigación sobre el modelo S/Y/C y la Filosofía Quirúrgica, el análisis de Ambrosini ofrece herramientas valiosas para pensar la relación entre técnica, autenticidad y experiencia estética en el contexto de las máquinas creadoras (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b).

Benjamin y el aura: un recordatorio necesario

Antes de adentrarnos en la propuesta de Ambrosini, conviene recordar los elementos centrales de la teoría benjaminiana. Para Benjamin, el aura de una obra de arte está vinculada a su presencia única en el espacio y el tiempo, a su "aquí y ahora" irrepetible. Esta presencia confiere a la obra una autoridad, una autenticidad, que la tradición había considerado inalienable.

La reproducción técnica —la litografía, la fotografía, el cine— destruye esa unicidad. Al multiplicar las copias, separa la obra de su contexto original, la hace accesible a las masas, la despoja de su carácter ritual para conferirle una función política y pedagógica. Benjamin veía en este proceso no solo una pérdida, sino también una ganancia: la posibilidad de un arte al servicio de la emancipación colectiva, liberado de los privilegios de la élite.

El arte generado por IA, sostiene Ambrosini, plantea un desafío inédito a esta dicotomía. No se trata de reproducción de un original, sino de generación sin original. La obra de IA no es copia de algo anterior; es, en principio, una creación novedosa. Pero tampoco tiene la unicidad física del arte tradicional, porque puede ser replicada y modificada con facilidad. ¿Dónde queda entonces el aura?

El "aura algorítmica": una paradoja productiva

La respuesta de Ambrosini es la propuesta de un "aura algorítmica" . No se trata de una contradicción en los términos, sino de una ampliación del concepto benjaminiano para adaptarlo a las condiciones técnicas del presente.

¿En qué consistiría esta nueva forma de aura? Ambrosini sugiere que la autenticidad de una obra de IA no reside en su materialidad física, sino en la singularidad de su proceso generativo. Cada vez que un algoritmo produce una obra, lo hace a partir de un conjunto de datos, unos parámetros, una arquitectura, que son únicos. Incluso si el código es el mismo, las condiciones de la generación —los datos de entrenamiento, las semillas aleatorias, las interacciones previas— pueden dar lugar a resultados irrepetibles.

El "aura algorítmica" sería, así, la huella de ese proceso único, la marca de una inteligencia no humana que, sin embargo, produce algo que nos interpela, nos conmueve, nos hace pensar. No es el aura de la presencia física, sino el rastro de una complejidad computacional que no puede ser reducida a mera repetición.

Esta noción, como advierte el propio Ambrosini, no está exenta de problemas. ¿Puede una máquina tener "autenticidad" en el sentido benjaminiano? ¿No estamos proyectando sobre el algoritmo categorías que solo tienen sentido en el contexto de la subjetividad humana? El autor no ofrece respuestas definitivas, pero abre una vía de indagación que merece ser explorada.

Autoría fluida y democratización digital

Uno de los aspectos más relevantes del análisis de Ambrosini es su tratamiento de la cuestión de la autoría en el arte generado por IA. Benjamin ya había señalado que la reproducción técnica diluye la figura del autor tradicional, al hacer posible que las obras circulen y sean transformadas por múltiples agentes.

Con la inteligencia artificial asistimos a una disolución aún más profunda de la figura autoral. La autoría ya no se adscribe a una conciencia individual, sino que se distribuye a lo largo de una cadena de decisiones e influencias que incluye la arquitectura del sistema, la procedencia de los datos de aprendizaje, los parámetros seleccionados por el operador e incluso la propia aleatoriedad del proceso generativo. La obra resultante no tiene un padre único, sino una red difusa de contribuyentes. Esta dispersión no es una anomalía, sino el rasgo distintivo de una nueva ecología creativa donde la frontera entre el creador humano y el medio técnico se vuelve irreconocible. Ambrosini captura esta transformación bajo la noción de "autoría fluida" , un concepto que desmantela la figura del genio creador y exige una revisión profunda de las categorías jurídicas y estéticas heredadas.

Esta fluidez tiene, sin embargo, un correlato positivo: la democratización del arte. La IA pone herramientas de creación al alcance de personas sin formación técnica o artística. Cualquier persona con acceso a un ordenador puede generar imágenes, música o textos que antes habrían requerido años de aprendizaje. Esto, como señala Ambrosini, desafía las estructuras de poder del mundo del arte —galerías, museos, críticos— y abre la posibilidad de una expresión más inclusiva y diversa.

No obstante, el autor también advierte sobre los peligros de esta democratización: la homogeneización de los estilos, la dependencia de los mismos conjuntos de datos, el riesgo de que la IA perpetúe sesgos y exclusiones. El algoritmo, como cualquier herramienta, puede ser utilizado para emancipar o para dominar. La diferencia está en cómo lo usamos.

Ética, sesgo y agencia humana

Ambrosini dedica una sección de su capítulo a las consideraciones éticas del arte generado por IA (Ambrosini, 2025). Desde una perspectiva benjaminiana, analiza cuestiones como el sesgo algorítmico, la propiedad intelectual y la potencial manipulación de las audiencias.

El sesgo algorítmico es uno de los problemas más acuciantes. Los sistemas de IA aprenden de datos históricos, y esos datos reflejan las desigualdades y prejuicios de nuestras sociedades. Un algoritmo entrenado con obras de arte occidentales generará imágenes que reproducen esos cánones, ignorando o distorsionando otras tradiciones. La democratización técnica puede convertirse así en una reproducción de la hegemonía cultural, en lugar de una auténtica pluralidad.

La cuestión de la propiedad intelectual es igualmente compleja. Si una IA genera una obra que se parece mucho a la de un artista humano, ¿quién infringe los derechos de autor? ¿El programador? ¿El usuario? ¿El propio sistema? Las leyes actuales no están preparadas para responder a estas preguntas, y Ambrosini sugiere que necesitamos repensar el marco legal desde cero.

Finalmente, el autor aborda la necesidad de preservar la agencia humana en el proceso creativo. La IA no debe sustituir al artista, sino ampliar sus capacidades. El peligro no es que las máquinas nos reemplacen, sino que deleguemos en ellas decisiones que solo los humanos pueden tomar —qué es bello, qué es significativo, qué merece ser recordado.

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

El análisis de Ambrosini resuena profundamente con la investigación que venimos desarrollando sobre el modelo S/Y/C del funcionamiento neuronal y la Ley de coherencia biológica (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). Su noción de "aura algorítmica" puede reinterpretarse a la luz de nuestras tres dimensiones.

La dimensión S (Supervivencia) nos recuerda que la experiencia estética humana está enraizada en necesidades homeostáticas. El arte nos conmueve porque activa nuestro sistema nervioso autónomo, porque regula nuestras emociones, porque nos ayuda a sobrevivir simbólicamente. La IA puede generar objetos formalmente complejos, pero no experimenta esa necesidad de regulación. Su "aura", si existe, no es la de un ser vivo que busca su equilibrio, sino la de una máquina que ejecuta funciones.

La dimensión Y (Symbolon) es central para entender la diferencia entre la autenticidad humana y la algorítmica. El symbolon es un acto de reconocimiento mediante códigos compartidos, un puente entre subjetividades. Cuando un humano contempla una obra, no solo procesa formas; reconoce intenciones, emociones, significados. La IA puede producir obras que interpretamos como si tuvieran intención, pero esa intención es proyectada por nosotros. El "aura algorítmica" es, en el fondo, un efecto de nuestra interpretación, no una propiedad intrínseca del algoritmo.

La dimensión C (Completitud) apunta a la necesidad humana de cerrar formas, de encontrar totalidades coherentes. El arte nos satisface cuando logra esa completitud. La IA puede generar objetos formalmente cerrados, pero no experimenta la pulsión hacia la completitud. Su "aura" es, en este sentido, un simulacro de la completitud humana.

La Filosofía Quirúrgica nos invita a aplicar un corte analítico preciso en la propuesta de Ambrosini. No se trata de rechazar la noción de "aura algorítmica" como falsa, sino de distinguir niveles. En el nivel de la producción técnica, el concepto puede ser útil para describir la singularidad de los procesos generativos. En el nivel de la experiencia estética plena, sin embargo, el "aura" sigue siendo patrimonio de lo vivo. La IA puede sorprendernos, conmovernos, inspirarnos. Pero la fuente de esa emoción no está en el algoritmo, sino en nuestro encuentro con el algoritmo. Somos nosotros quienes proyectamos sobre la máquina la capacidad de conmover. Y ese acto de proyección es, quizás, lo más humano del arte.

Implicaciones para la investigación futura

El capítulo de Ambrosini abre varias líneas de trabajo prometedoras. La primera es la necesidad de investigación empírica sobre cómo los espectadores perciben y valoran el arte generado por IA. ¿Atribuyen "aura" a estas obras? ¿En qué condiciones? ¿Qué factores modulan esa atribución?

La segunda línea es el desarrollo de nuevos marcos legales y éticos para el arte de IA. Las categorías benjaminianas —original, copia, autor, espectador— necesitan ser revisadas a la luz de las tecnologías generativas. Ambrosini ofrece pistas, pero el trabajo de detalle está por hacer.

La tercera línea es la exploración de nuevas formas de colaboración entre humanos y máquinas. Si la IA no puede tener aura por sí misma, quizás sí pueda contribuir a crear obras híbridas donde lo humano y lo algorítmico se entrelacen. El futuro del arte no es la sustitución del humano por la máquina, sino la sinergia entre ambos.

Desde nuestra perspectiva, estas investigaciones deberían incorporar también una dimensión neurobiológica. No basta con analizar conceptos; hay que estudiar qué ocurre en el cerebro cuando contemplamos una obra de IA. ¿Se activan las mismas regiones que ante el arte humano? ¿Hay diferencias? ¿Podemos medir el "aura" en términos de activación neuronal? Son preguntas abiertas, y responderlas es parte del desafío de la neuroestética contemporánea.

Consideraciones finales: el aura como encuentro, no como propiedad

El capítulo de Luciano Ambrosini nos recuerda que el pensamiento de Walter Benjamin, formulado hace casi un siglo, sigue siendo extraordinariamente fértil para pensar nuestro presente tecnológico. Su concepto de aura, pensado para la era de la reproducción mecánica, puede ser reinterpretado para la era de la generación algorítmica.

La noción de "aura algorítmica" es, sin duda, provocadora. Nos obliga a preguntarnos qué valor otorgamos a las obras generadas por IA, y por qué. Pero quizás el mayor acierto de Ambrosini sea mostrar que el aura no es una propiedad fija de las obras, sino un efecto de nuestra relación con ellas. Si algo tiene aura, no es porque exista en sí mismo, sino porque nosotros, los espectadores, se la otorgamos.

Y esa es, quizás, la lección más profunda para nuestra investigación sobre el origen del arte. El arte humano no tiene aura porque sea "auténtico" en un sentido metafísico, sino porque lo tratamos como tal. Lo investimos de significado, lo conectamos con nuestra historia, lo hacemos parte de nuestro mundo. La IA puede producir objetos que también investimos de significado. Pero ese acto de investidura —ese symbolon— sigue siendo humano. Y mientras lo sea, el arte, incluso el generado por algoritmos, seguirá siendo un testimonio de nuestra capacidad para encontrar sentido en el caos.

Referencias bibliográficas

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Tesis doctoral, Universidad del País Vasco - Euskal Herriko Unibertsitatea]. Repositorio ADDI. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Versión Kindle]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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lunes, 15 de junio de 2026

The Healing Power of Art: When Aesthetic Experience Becomes Therapy

Bernabé Mallo

A review of the article "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introduction: beyond pleasure, towards repair

For centuries, artistic contemplation has been considered a noble, refined, even spiritual activity. But can it also be healing? Can a painting, a symphony, or a sculpture help repair a brain damaged by a stroke or a neurodegenerative disease?

An article published in 2025 in the journal Frontiers in Psychology addresses precisely this question from the perspective of applied neuroaesthetics (Colombi et al., 2025). The authors analyse the so-called "Michelangelo Effect", a phenomenon demonstrating how observing artworks not only activates brain regions associated with pleasure but also stimulates neuroplasticity mechanisms with therapeutic potential.

The central thesis is revolutionary: aesthetic experience is not a cultural luxury, but a formal clinical tool that could be integrated into cognitive rehabilitation protocols. For patients who have suffered cerebrovascular accidents or who suffer from neurodegenerative diseases such as Alzheimer's or Parkinson's, planned exposure to artistic stimuli could be an effective non-pharmacological intervention.

From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, this study offers empirical evidence of something we have long held theoretically: that art is not an ornament, but a biological regulation mechanism with deep evolutionary roots (Mallo, 2025, 2026a, 2026b).

What is the "Michelangelo Effect"?

The term "Michelangelo Effect" refers to the capacity of high-aesthetic-quality artworks to generate intense emotional and cerebral responses. The article's authors review previous studies demonstrating that contemplating masterpieces —by Michelangelo, but not exclusively— activates regions of the reward system, the prefrontal cortex, and areas involved in autobiographical memory and sustained attention (Colombi et al., 2025).

What is novel is not that art activates the brain —we already knew that— but that this activation can be channelled for therapeutic purposes. In patients with neurological damage, certain neural networks remain intact or retain some capacity for reorganisation. Aesthetic experience, by mobilising affect, attention, and meaning, could act as a cognitive scaffold that facilitates plasticity and functional recovery.

The "Michelangelo Effect" is thus not a poetic metaphor, but a neuroscientific construct with concrete clinical implications. Its name evokes artistic excellence, but its application extends to any aesthetic stimulus that generates a sufficiently intense emotional response to promote changes in the brain's functional architecture.

Neuroplasticity and rehabilitation: art as a tool

Neuroplasticity —the nervous system's capacity to reorganise itself in response to experience, learning, or injury— is the biological substrate of any cognitive rehabilitation process. Traditionally, rehabilitation protocols have been based on repetitive exercises, memory tasks, attention, or language. The novelty introduced by the article is the inclusion of aesthetic experience as a modulator of that plasticity (Colombi et al., 2025).

Why might art be more effective than a standard exercise? The authors suggest several hypotheses. First, artistic contemplation mobilises multiple brain systems simultaneously: visual perception, emotion, memory, attention, reflection. This distributed activation could favour the reorganisation of damaged networks by involving preserved areas.

Second, aesthetic experience generates pleasure and motivation. A patient who enjoys an artwork is more attentive, more engaged, more predisposed to sustain cognitive effort. This contrasts with the monotony of certain traditional therapeutic exercises, which often prove tedious or demotivating.

Third, art evokes personal and cultural meanings. A painting can trigger memories, associations, reflections on one's own life. This autobiographical dimension is especially relevant for patients with mild cognitive impairment or neurodegenerative diseases, where preserving personal identity is a therapeutic goal in itself.

The authors therefore propose that aesthetic stimuli be considered first-line non-pharmacological interventions for certain patient profiles. The aim is not to replace existing treatments, but to complement them with a tool that is both effective, accessible, and low-cost.

The context of population ageing

The article does not emerge in a vacuum. The authors contextualise their proposal within the increase in life expectancy and the consequent rise in neurodegenerative diseases and cerebrovascular accidents (Colombi et al., 2025). Dementias —especially Alzheimer's—, Parkinson's, and strokes are today major health challenges. And the available pharmacological treatments are, at best, palliative or merely symptomatic.

In this context, the search for effective non-pharmacological interventions has become a priority. Cognitive stimulation, physical training, music therapy, and other approaches have shown moderate benefits. Applied neuroaesthetics now joins this repertoire with a solid empirical foundation and an additional attraction: art not only "exercises" the brain, but does so within a framework of pleasure and meaning, which could increase treatment adherence.

The authors review theoretical models and preliminary evidence, but caution that controlled clinical trials are still needed to validate the efficacy of these interventions. Nevertheless, results to date are promising and justify investment in research.

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

This clinical study resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). What the authors describe as the "Michelangelo Effect" is nothing other than a manifestation of how art activates the three dimensions of our neural function.

The S (Survival) dimension is expressed in art's potential to mobilise the reward system and reduce stress. In a patient with neurological damage, aesthetic experience can contribute to cerebral homeostasis, regulating emotional arousal and facilitating a neurochemical environment conducive to plasticity. It is no accident that regions such as the nucleus accumbens or the orbitofrontal cortex —implicated in pleasure and valuation— are activated by beauty. Art, from its origins, has been a regulator of internal balance.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding art's therapeutic power. Art is not just form: it is shared meaning. When a patient contemplates a work, they do not only process colours and lines; they evoke memories, interpret symbols, connect with their personal and cultural history. This symbolic dimension allows aesthetic experience to have lasting effects, beyond the moment of contemplation. Symbolon —the act of recognition through shared codes— is the bridge between neurobiology and biography.

The C (Wholeness) dimension manifests in the search for coherence that underlies aesthetic experience. The human brain yearns for totalities, closed patterns, emergent meanings. Art satisfies this drive, offering an order that calms uncertainty and reduces cognitive entropy. In a patient with neurological damage, whose world may have fragmented, the experience of wholeness that art provides is doubly valuable: it not only exercises cognition, but restores a sense of existential coherence.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in this therapeutic proposal. It is not about reducing art to a mere clinical tool —that would be impoverishing— but about recognising that its healing efficacy is a natural consequence of its original biological function. Art was born as homeostatic technology, and neuropsychological rehabilitation is nothing other than a modern, systematised, scientific application of that ancestral function.

Implications for future research

The Frontiers in Psychology article opens several promising lines of work (Colombi et al., 2025). The most urgent is the design of randomised clinical trials comparing the efficacy of art-based interventions with conventional treatments or placebos. How many sessions are necessary? What type of stimuli are most effective? Are there differences according to patient profile (stroke, Alzheimer's, Parkinson's)? Does familiarity with art modulate the effect?

Second, the authors suggest the need to develop standardised protocols that allow neuroaesthetics to be integrated into rehabilitation centres. The goal is not merely to take patients to museums —though that would also be beneficial— but to design interventions with rigorous dosing, control, and evaluation.

Third, the study invites exploration of the underlying neurobiology using imaging techniques such as functional magnetic resonance imaging or electroencephalography. Which networks are activated during artistic contemplation in patients with brain damage? How do they differ from activations in healthy subjects? Can therapeutic benefits be predicted from activation patterns?

From our perspective, these studies should also incorporate a phenomenological dimension. It is not enough to measure what happens in the brain; we must ask patients what they feel, what meaning they attribute to the experience, how they integrate the work into their personal narrative. Art heals, perhaps, not only because it stimulates neurons, but because it restores the sense of being someone in a meaningful world.

Final considerations: art as medicine for the embodied spirit

The article on neuroaesthetics and rehabilitation reminds us of something traditional cultures never forgot: that art has healing power. But now we have tools to understand why. It is not magic, not placebo. It is biology.

Art activates the same neural networks as reward, emotion, and meaning. It mobilises plasticity, facilitates reorganisation, reduces stress. And it does so, moreover, within a framework of pleasure that increases motivation and adherence. In an ageing world, where neurodegenerative diseases are increasingly prevalent, art presents itself as an accessible, low-cost tool with few side effects.

From our research on the origin of art in the Homo species, we see in these findings an empirical confirmation of our theses (Mallo, 2025, 2026a, 2026b). Art was not born as luxury, but as necessity. It is not an ornament of culture, but a biological regulation mechanism. That it can now be used in hospitals and rehabilitation centres is not an absolute novelty, but the recovery of ancestral wisdom under the guise of science.

The "Michelangelo Effect" teaches us that beauty not only moves the soul. It repairs the body. And it does so because, deep down, soul and body were never separate. Art heals because it speaks directly to that functional unity we call S/Y/C: survival, symbol, and wholeness. And that unity is precisely what makes us human.

References

Colombi, F., Varesio, G., Selini, E., Amighetti, E., Crepaldi, M., Fusi, G., Ronga, I., Cancer, A., Antonietti, A., Geminiani, G. C., & Rusconi, M. L. (2025). Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation. Frontiers in Psychology, 16, Article 1671220. https://doi.org/10.3389/fpsyg.2025.1671220

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

Enlaces / Links

El arte que cura: cuando la experiencia estética se convierte en terapia

Bernabé Mallo

Una reseña sobre el artículo "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introducción: más allá del placer, la reparación

Durante siglos, la contemplación artística ha sido considerada una actividad noble, refinada, incluso espiritual. Pero ¿puede también ser curativa? ¿Puede una pintura, una sinfonía o una escultura contribuir a reparar un cerebro dañado por un infarto o por una enfermedad neurodegenerativa?

Un artículo publicado en 2025 en la revista Frontiers in Psychology aborda precisamente esta cuestión desde la perspectiva de la neuroestética aplicada (Colombi et al., 2025). Los autores analizan el denominado "Efecto Miguel Ángel", un fenómeno que demuestra cómo la observación de obras de arte no solo activa regiones cerebrales asociadas al placer, sino que también estimula mecanismos de neuroplasticidad con potencial terapéutico.

La tesis central es revolucionaria: la experiencia estética no es un lujo cultural, sino una herramienta clínica formal que podría integrarse en protocolos de rehabilitación cognitiva. Para pacientes que han sufrido accidentes cerebrovasculares o que padecen enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer o el Parkinson, la exposición planificada a estímulos artísticos podría ser una intervención no farmacológica eficaz.

Desde la perspectiva de nuestra investigación sobre el modelo S/Y/C y la Filosofía Quirúrgica, este estudio ofrece evidencia empírica de algo que hemos sostenido teóricamente: que el arte no es un adorno, sino un mecanismo de regulación biológica con profundas raíces evolutivas (Mallo, 2025, 2026a, 2026b).

¿Qué es el "Efecto Miguel Ángel"?

La denominación "Efecto Miguel Ángel" hace referencia a la capacidad de las obras de arte de alta calidad estética para generar respuestas emocionales y cerebrales intensas. Los autores del artículo revisan estudios previos que demuestran que la contemplación de piezas maestras —como las de Miguel Ángel, pero no exclusivamente— activa regiones del sistema de recompensa, la corteza prefrontal y áreas implicadas en la memoria autobiográfica y la atención sostenida (Colombi et al., 2025).

Lo novedoso no es que el arte active el cerebro —eso ya lo sabíamos—, sino que esta activación puede ser canalizada con fines terapéuticos. En pacientes con daño neurológico, ciertas redes neuronales permanecen intactas o conservan cierta capacidad de reorganización. La experiencia estética, al movilizar afecto, atención y significado, podría actuar como un andamio cognitivo que facilita la plasticidad y la recuperación funcional.

El "Efecto Miguel Ángel" no es, pues, una metáfora poética, sino un constructo neurocientífico con implicaciones clínicas concretas. Su nombre evoca la excelencia artística, pero su aplicación se extiende a cualquier estímulo estético que genere una respuesta emocional suficientemente intensa como para promover cambios en la arquitectura funcional del cerebro.

Neuroplasticidad y rehabilitación: el arte como herramienta

La neuroplasticidad —la capacidad del sistema nervioso para reorganizarse en respuesta a la experiencia, el aprendizaje o la lesión— es el sustrato biológico de cualquier proceso de rehabilitación cognitiva. Tradicionalmente, los protocolos de rehabilitación se han basado en ejercicios repetitivos, tareas de memoria, atención o lenguaje. La novedad que introduce el artículo es la inclusión de la experiencia estética como un modulador de esa plasticidad (Colombi et al., 2025).

¿Por qué el arte podría ser más eficaz que un ejercicio estándar? Los autores sugieren varias hipótesis. En primer lugar, la contemplación artística moviliza múltiples sistemas cerebrales de manera simultánea: percepción visual, emoción, memoria, atención, reflexión. Esta activación distribuida podría favorecer la reorganización de redes dañadas al involucrar áreas conservadas.

En segundo lugar, la experiencia estética genera placer y motivación. Un paciente que disfruta de una obra de arte está más atento, más comprometido, más predispuesto a sostener el esfuerzo cognitivo. Esto contrasta con la monotonía de ciertos ejercicios terapéuticos tradicionales, que a menudo resultan tediosos o desmotivadores.

En tercer lugar, el arte evoca significados personales y culturales. Una pintura puede desencadenar recuerdos, asociaciones, reflexiones sobre la propia vida. Esta dimensión autobiográfica es especialmente relevante para pacientes con deterioro cognitivo leve o enfermedades neurodegenerativas, donde la preservación de la identidad personal es un objetivo terapéutico en sí mismo.

Los autores proponen, por tanto, que los estímulos estéticos sean considerados intervenciones no farmacológicas de primera línea en determinados perfiles de pacientes. No se trata de sustituir los tratamientos existentes, sino de complementarlos con una herramienta que, además de eficaz, es accesible y de bajo costo.

El contexto del envejecimiento poblacional

El artículo no surge en el vacío. Los autores contextualizan su propuesta en el aumento de la esperanza de vida y el consiguiente incremento de enfermedades neurodegenerativas y accidentes cerebrovasculares (Colombi et al., 2025). Las demencias —especialmente el Alzheimer—, el párkinson y los ictus son hoy desafíos sanitarios de primera magnitud. Y los tratamientos farmacológicos disponibles son, en el mejor de los casos, paliativos o meramente sintomáticos.

En este contexto, la búsqueda de intervenciones no farmacológicas eficaces se ha convertido en una prioridad. La estimulación cognitiva, el entrenamiento físico, la musicoterapia y otras aproximaciones han mostrado beneficios moderados. La neuroestética aplicada se suma ahora a este repertorio con un fundamento empírico sólido y un atractivo adicional: el arte no solo "ejercita" el cerebro, sino que lo hace en un marco de placer y significado, lo que podría aumentar la adherencia a los tratamientos.

Los autores revisan modelos teóricos y evidencias preliminares, pero advierten que aún se necesitan ensayos clínicos controlados para validar la eficacia de estas intervenciones. No obstante, los resultados hasta la fecha son prometedores y justifican la inversión en investigación.

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

Este estudio clínico resuena profundamente con la investigación que venimos desarrollando sobre el modelo S/Y/C del funcionamiento neuronal y la Ley de coherencia biológica (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). Lo que los autores describen como "Efecto Miguel Ángel" no es sino una manifestación de cómo el arte activa las tres dimensiones de nuestra función neuronal.

La dimensión S (Supervivencia) se expresa en el potencial del arte para movilizar el sistema de recompensa y reducir el estrés. En un paciente con daño neurológico, la experiencia estética puede contribuir a la homeostasis cerebral, regulando la activación emocional y facilitando un entorno neuroquímico propicio para la plasticidad. No es casualidad que regiones como el núcleo accumbens o la corteza orbitofrontal —implicadas en el placer y la valoración— se activen ante la belleza. El arte, desde sus orígenes, ha sido un regulador del equilibrio interno.

La dimensión Y (Symbolon) es central para entender el poder terapéutico del arte. El arte no es solo forma: es significado compartido. Cuando un paciente contempla una obra, no solo procesa colores y líneas; evoca recuerdos, interpreta símbolos, conecta con su historia personal y cultural. Esta dimensión simbólica es la que permite que la experiencia estética tenga efectos duraderos, más allá del momento de la contemplación. El symbolon —el acto de reconocimiento mediante códigos compartidos— es el puente entre la neurobiología y la biografía.

La dimensión C (Completitud) se manifiesta en la búsqueda de coherencia que subyace a la experiencia estética. El cerebro humano anhela totalidades, patrones cerrados, significados emergentes. El arte satisface esa pulsión, ofreciendo un orden que calma la incertidumbre y reduce la entropía cognitiva. En un paciente con daño neurológico, cuyo mundo puede haberse fragmentado, la experiencia de completitud que proporciona el arte es doblemente valiosa: no solo ejercita la cognición, sino que restaura una sensación de coherencia existencial.

La Filosofía Quirúrgica nos invita a aplicar un corte analítico preciso a esta propuesta terapéutica. No se trata de reducir el arte a una mera herramienta clínica —eso sería empobrecedor—, sino de reconocer que su eficacia curativa es una consecuencia natural de su función biológica originaria. El arte nació como tecnología homeostática, y la rehabilitación neuropsicológica no es sino una aplicación moderna, sistematizada y científica de esa función ancestral.

Implicaciones para la investigación futura

El artículo de Frontiers in Psychology abre varias líneas de trabajo prometedoras (Colombi et al., 2025). La más urgente es el diseño de ensayos clínicos aleatorizados que comparen la eficacia de intervenciones basadas en arte con tratamientos convencionales o con placebos. ¿Cuántas sesiones son necesarias? ¿Qué tipo de estímulos son más efectivos? ¿Hay diferencias según el perfil del paciente (ictus, Alzheimer, Parkinson)? ¿La familiaridad con el arte modula el efecto?

En segundo lugar, los autores sugieren la necesidad de desarrollar protocolos estandarizados que permitan integrar la neuroestética en los centros de rehabilitación. No se trata de llevar a los pacientes a museos —aunque eso también sería beneficioso—, sino de diseñar intervenciones con dosificación, control y evaluación rigurosa.

En tercer lugar, el estudio invita a explorar la neurobiología subyacente con técnicas de imagen como la resonancia magnética funcional o la electroencefalografía. ¿Qué redes se activan durante la contemplación artística en pacientes con daño cerebral? ¿Cómo difieren de las activaciones en sujetos sanos? ¿Pueden predecirse los beneficios terapéuticos a partir de patrones de activación?

Desde nuestra perspectiva, estos estudios deberían incorporar también una dimensión fenomenológica. No basta con medir qué ocurre en el cerebro; hay que preguntar a los pacientes qué sienten, qué significado otorgan a la experiencia, cómo integran la obra en su narrativa personal. El arte cura, quizás, no solo porque estimula neuronas, sino porque restaura la sensación de ser alguien en un mundo con sentido.

Consideraciones finales: el arte como medicina del espíritu encarnado

El artículo sobre neuroestética y rehabilitación nos recuerda algo que las culturas tradicionales nunca olvidaron: que el arte tiene poder curativo. Pero ahora tenemos herramientas para entender por qué. No es magia, no es placebo. Es biología.

El arte activa las mismas redes neuronales que la recompensa, la emoción y el significado. Moviliza la plasticidad, facilita la reorganización, reduce el estrés. Y lo hace, además, en un marco de placer que aumenta la motivación y la adherencia. En un mundo que envejece, donde las enfermedades neurodegenerativas son cada vez más prevalentes, el arte se presenta como una herramienta accesible, de bajo costo y con escasos efectos secundarios.

Desde nuestra investigación sobre el origen del arte en la especie Homo, vemos en estos hallazgos una confirmación empírica de nuestras tesis (Mallo, 2025, 2026a, 2026b). El arte no nació como lujo, sino como necesidad. No es un adorno de la cultura, sino un mecanismo de regulación biológica. Que ahora pueda emplearse en hospitales y centros de rehabilitación no es una novedad absoluta, sino la recuperación de una sabiduría ancestral bajo el ropaje de la ciencia.

El "Efecto Miguel Ángel" nos enseña que la belleza no solo conmueve el alma. Repara el cuerpo. Y lo hace porque, en el fondo, alma y cuerpo nunca estuvieron separados. El arte cura porque habla directamente a esa unidad funcional que denominamos S/Y/C: supervivencia, símbolo y completitud. Y esa unidad es, precisamente, lo que nos hace humanos.

Referencias bibliográficas

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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domingo, 14 de junio de 2026

What Is an AI-Generated Artwork? A Transdisciplinary Proposal

Bernabé Mallo

A review of Leonardo Arriagada's article (2025): Defining an AI-Generated Artwork: A Transdisciplinary Concept for Cognitive Science, Computer Science, and Art Theory

Introduction: the Tower of Babel of artificial intelligence

An AI-generated artwork is, for a computer scientist, a set of probabilistic outputs from a neural network. For a cognitive psychologist, a stimulus that provokes certain responses in the viewer. For an art theorist, an object that challenges traditional categories of authorship, intentionality, and creativity. Each discipline speaks its own language, and the result is often a Tower of Babel where communication is difficult and collaboration nearly impossible.

Leonardo Arriagada, in an article published in 2025 in the journal Calle 14: Revista de Investigación en el Campo del Arte, addresses precisely this problem . His goal is ambitious: to develop a transdisciplinary definition of an AI-generated artwork that serves as a conceptual bridge between cognitive science, computer science, and art theory.

Arriagada's proposal is structured around three essential elements: (1) the autonomous production by AI of a new and surprising idea or artifact; (2) the existence of an internal evaluation mechanism within the system itself; and (3) the consideration of that product as a candidate for appreciation by a human audience.

This definition, as we shall see, is not without philosophical problems, but it has the merit of offering a common starting point for disciplines that often speak without understanding each other. From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, Arriagada's analysis is especially valuable because it forces us to clarify what we mean by "autonomy", "evaluation", and "appreciation" in the context of machine-generated art.

Why do we need a transdisciplinary definition?

Arriagada starts from a realization: the literature on AI-generated art is abundant but fragmented . Computer scientists focus on the technical aspects of generative algorithms (generative adversarial networks, transformers, diffusion models). Cognitive psychologists study how viewers perceive and value these works. Art theorists debate whether AI can be considered an author or whether its products deserve the status of art.

The problem is not merely academic. It has practical implications for copyright attribution, critical evaluation, conservation, and commercialization of these works. Without a common language, disagreements are inevitable and opportunities for interdisciplinary collaboration are lost.

Arriagada's proposal does not pretend to be the definitive definition, but rather a heuristic tool that allows researchers from different fields to dialogue on common ground. His approach is pragmatic: he does not ask what art is in essence, but rather what characteristics an AI-generated object must meet to be considered a legitimate candidate for artistic appreciation.

The three elements of the definition

Arriagada proposes that an AI-generated artwork must meet three conditions .

1. Autonomous production of novelty

The first element is that the AI must produce something new and surprising autonomously. This excludes cases where the system merely reproduces or combines existing patterns without generating true novelty. It also excludes cases where human control is so direct that the AI acts as a mere tool, not as an agent.

The notion of "autonomy" is key here, but also problematic. How autonomous must the AI be? Is it enough that there is no human intervention at the moment of generation, or must the system have learned its criteria on its own without supervision? Arriagada does not offer a definitive answer, but notes that the degree of autonomy can vary and that this variability should be the subject of empirical study.

2. Internal evaluation mechanism

The second element is that the AI must incorporate an internal evaluation mechanism. It is not enough for it to generate something new; the system must be able to evaluate its own productions, to discriminate between successful and unsuccessful results, to select those that deserve to be presented to the human audience.

This mechanism can be explicit (for example, a loss function that penalizes certain outputs) or implicit (for example, the model's own statistics). But without some kind of internal evaluation, the generation would be blind, and the result a mere product of chance.

The inclusion of this element is interesting because it introduces a form of weak intentionality in AI. The system has no consciousness or purposes, but its architecture incorporates value criteria that guide its production. This brings it, however vaguely, closer to the notion of "judgment" that in humans accompanies creativity.

3. Candidate for human appreciation

The third element is that the AI-generated product must be considered a candidate for appreciation by a human audience. Here Arriagada introduces a social and institutional factor. It is not enough for the AI to produce something novel and evaluate it internally. That something must be presented to humans who can appreciate it, interpret it, value it.

This element recognizes that art is, in part, a social institution. An AI-generated work that remains on a computer's hard drive without anyone seeing it is not art, just as Duchamp's readymade would not be art if no one had exhibited it in a gallery. Human appreciation is the act that completes the circuit, that turns a technical artifact into an aesthetic object.

Strengths and weaknesses of the proposal

Arriagada's definition has several strengths. First, it is operational: it provides criteria that can be applied empirically to classify specific cases. Second, it is inclusive: it does not a priori exclude any type of technique or style, as long as the three conditions are met. Third, it is transdisciplinary: it offers a common language for computer scientists, psychologists, and art theorists.

However, it also has important weaknesses. The most obvious is that the definition depends on notions ("novelty", "surprise", "autonomy", "appreciation") that are themselves controversial and require further precision. What counts as "surprise" for a machine? How do we measure "autonomy"? Who decides what is "worthy of appreciation"?

Furthermore, the definition does not directly address the question of intentionality in the strong philosophical sense. A system can have an internal evaluation mechanism without there being anyone "inside" who actually judges or values anything. Evaluation is a function, not an experience. And that distance between function and experience is, as we have seen in other reviews, crucial for distinguishing human art from machine art.

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Arriagada's analysis resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence. His transdisciplinary definition can be reinterpreted in light of our three dimensions.

The S (Survival) dimension reminds us that human appreciation of art is not a purely cognitive act, but is rooted in homeostatic needs. When a human viewer "appreciates" an AI-generated work, their brain is processing stimuli that generate pleasure, activation, curiosity, or emotion. That processing is real, even if the work was made by a machine. Arriagada's definition, by including "human appreciation", implicitly recognizes this dimension.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding the gap between AI's internal evaluation and human appreciation. AI can have evaluation mechanisms that are mathematical functions, but not symbolon: there is no shared recognition, no emergent meaning from an encounter between subjectivities. Human appreciation, by contrast, is always symbolic: we see the work, interpret it, connect it with our personal and cultural history. That is something that AI, by itself, cannot generate. Symbolon —the act of recognition through shared codes— is the patrimony of embodied subjectivity.

The C (Wholeness) dimension points to the human need to close forms, to find coherence. When we appreciate a work, we seek in it a totality that satisfies us. AI can generate formally closed objects, but it does not experience the drive toward wholeness. Its "internal evaluation" is a calculation, not a longing.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in Arriagada's definition. It is not about rejecting it, but about distinguishing levels. At the level of technical production, the definition is useful: it allows us to identify which AI-generated objects deserve to be considered candidates for artistic appreciation. At the level of full aesthetic experience, however, the definition is insufficient, because it does not capture what human appreciation has that is embodied, symbolic, and yearning.

Arriagada offers a tool for building bridges between disciplines. That is valuable. But to understand art in its origin and its function, we need something more: a theory of embodied subjectivity, of lived intentionality, of the drive toward meaning. That is what our research attempts to contribute, with symbolon as a central concept.

Implications for future research

Arriagada's article opens several lines for future research . First, it suggests that the proposed definition should be applied to various types of AI-generated artworks to assess its scope and limits. An image generated by a neural network is not the same as a poetic text produced by a language model, or a symphony composed by an autonomous system. The definition should be able to encompass them all, or be adjusted to do so.

Second, Arriagada notes that the definition has implications for artistic practices . If human artists begin to collaborate with AI systems that meet the three conditions, how does their way of working change? Do they remain the authors, or is authorship distributed? What happens to the notion of "style" or "voice" when the machine can imitate any style?

These questions have no easy answers, and Arriagada's definition does not pretend to resolve them. His contribution is more modest but equally valuable: to provide a common ground for researchers from different disciplines to begin a dialogue. And that dialogue, as we know, is the condition of possibility for any significant advance.

Final considerations: the need for a common language

Leonardo Arriagada's article reminds us that, in such a novel and controversial field as AI-generated art, the first challenge is not to answer questions, but to formulate them well. And to formulate them well, we need clear and shared concepts. His proposal for a transdisciplinary definition is a step in that direction.

From our perspective, that definition is useful but incomplete. Useful because it allows communication between cognitive science, computer science, and art theory. Incomplete because it does not capture the embodied dimension of human aesthetic experience. AI can produce objects that meet Arriagada's three criteria, but those objects, when appreciated by a human, acquire a meaning that is not in the machine, but in the encounter between the work and a living subjectivity.

The origin of art, in the Homo species, was not the production of novel objects or the internal evaluation of autonomous systems. It was the need to express, to communicate, to share what one feels —it was the need for symbolon. That need remains, today, what defines the human against the artificial. And as long as we do not forget that, we can use AI as a tool without confusing it with the source.

References

Arriagada, L. (2025). Defining an AI-generated artwork: A transdisciplinary concept for cognitive science, computer science, and art theory. Calle 14: Revista de Investigación en el Campo del Arte, 20(38), 95–109. https://doi.org/10.14483/21450706.21009

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

miércoles, 17 de junio de 2026

The Algorithm and the Aura: Walter Benjamin in the Age of Artificial Intelligence

Bernabé Mallo

A review of Luciano Ambrosini's chapter (2025): The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin's Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence

Introduction: can a machine have an aura?

Benjamin and the aura: a necessary reminder

The "algorithmic aura": a productive paradox

Fluid authorship and digital democratisation

Ethics, bias, and human agency

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Implications for future research

Final considerations: aura as encounter, not as property

References

Enlaces / Links

El algoritmo y el aura: Walter Benjamin en la era de la inteligencia artificial

Bernabé Mallo

Una reseña del capítulo de Luciano Ambrosini (2025): The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin‘s Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence

Introducción: ¿puede una máquina tener aura?

Benjamin y el aura: un recordatorio necesario

El "aura algorítmica": una paradoja productiva

Autoría fluida y democratización digital

Ética, sesgo y agencia humana

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

Implicaciones para la investigación futura

Consideraciones finales: el aura como encuentro, no como propiedad

Referencias bibliográficas

Enlaces / Links

lunes, 15 de junio de 2026

The Healing Power of Art: When Aesthetic Experience Becomes Therapy

Bernabé Mallo

A review of the article "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introduction: beyond pleasure, towards repair

What is the "Michelangelo Effect"?

Neuroplasticity and rehabilitation: art as a tool

The context of population ageing

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Implications for future research

Final considerations: art as medicine for the embodied spirit

References

Autor / Author

Enlaces / Links

El arte que cura: cuando la experiencia estética se convierte en terapia

Bernabé Mallo

Una reseña sobre el artículo "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introducción: más allá del placer, la reparación

¿Qué es el "Efecto Miguel Ángel"?

Neuroplasticidad y rehabilitación: el arte como herramienta

El contexto del envejecimiento poblacional

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

Implicaciones para la investigación futura

Consideraciones finales: el arte como medicina del espíritu encarnado

Referencias bibliográficas

Autor / Author

Enlaces / Links

domingo, 14 de junio de 2026

What Is an AI-Generated Artwork? A Transdisciplinary Proposal

Bernabé Mallo

A review of Leonardo Arriagada's article (2025): Defining an AI-Generated Artwork: A Transdisciplinary Concept for Cognitive Science, Computer Science, and Art Theory

Introduction: the Tower of Babel of artificial intelligence

Why do we need a transdisciplinary definition?

The three elements of the definition

1. Autonomous production of novelty

2. Internal evaluation mechanism

3. Candidate for human appreciation

Strengths and weaknesses of the proposal

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Implications for future research

Final considerations: the need for a common language

References

Autor / Author

Enlaces / Links

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