Creating to Heal: What Neuroscience Reveals (and Hides) About Art Therapy

 

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

A review of Christianne E. Strang's article (2024): Art therapy and neuroscience: evidence, limits, and myths

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Introduction: more than drawing, an act of brain reconfiguration

Artistic creation has accompanied our species for millennia. But what happens in the brain when we paint, model, or sculpt? Is art therapy a practice with a neuroscientific foundation or a set of clinical intuitions dressed in a white coat?

Christianne E. Strang, a researcher at the University of Alabama at Birmingham, published in 2024 in Frontiers in Psychology an article that dissects with precision the current state of the question (Strang, 2024). Her goal is twofold: on the one hand, to offer a rigorous overview of the neurobiological concepts applied to art therapy —neuroplasticity, mirror neuron systems, interoception—; on the other, to warn about the myths and simplifications that circulate in clinical practice.

Strang's thesis is clear: art therapy has a promising neuroscientific foundation, but we still know little about the precise mechanisms that explain its efficacy. Enthusiasm for linking creativity with brain biology should not lead us to confuse correlations with causations, nor to use neuroscientific explanations as an attractive but empty wrapper.

From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, Strang's article offers an opportunity to contrast clinical and experimental approaches with our understanding of art as a biological and symbolic phenomenon (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). The result, as we shall see, is an invitation to epistemic humility and conceptual precision.

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The three neurobiological pillars of art therapy

Strang organises her analysis around three neurobiological concepts often invoked to explain the therapeutic effects of artistic creation: neuroplasticity, mirror neuron systems, and interoception (Strang, 2024). Let us examine each one.

Neuroplasticity: the brain that rewrites itself

Neuroplasticity is the brain's capacity to adapt and change in response to experience, through changes in the size and number of synaptic contacts (Strang, 2024). Strang notes that this capacity is altered in mental disorders such as depression, anxiety, or post-traumatic stress disorder, where reduced dendritic and synaptic density is observed in the cortex.

The link with art therapy is tempting: creativity is associated with changes in functional connectivity and in the expression of genes linked to synaptic plasticity (Strang, 2024). Artistic training appears to induce neuroplastic changes in frontal, emotional, and sensory circuits (Strang, 2024). If depression is characterised by dysfunctional plasticity, then interventions that foster creativity could be effective in alleviating symptoms.

However, Strang warns: the evidence is correlational, not causal. That creativity and plasticity are associated does not prove that art therapy produces specific neuroplastic changes. To establish this, studies are needed that measure those changes and correlate them with symptom reduction, controlling for other variables (Strang, 2024). As the author rightly notes, "the challenge will be to test whether art therapy produces neuroplastic changes that correlate with reduction of depression symptoms and whether those effects are specific to the intervention" (Strang, 2024).

Mirror neuron systems: neural empathy or projection?

Since their discovery in the 1990s in the frontal cortex of macaque monkeys, mirror neuron systems have been the object of fascination and also of exaggeration (Strang, 2024). It has been suggested that these systems underlie the ability to infer the intentions and emotions of others from our own internal experiences, and that their activation is related to empathy and social learning (Strang, 2024).

Strang introduces a note of caution. Mirror neurons also respond to non-natural movements of inanimate objects (Strang, 2024), and direct evidence that these systems are involved in high-level cognitive or empathic processes is limited (Strang, 2024). The author warns that, in the context of art therapy, it is tempting to speculate that activation of mirror systems in the therapist when observing the client might relate to psychodynamic concepts such as countertransference. But this speculation, however attractive, is not supported by solid data.

Moreover, any inference we make about the client's behaviour, cognition, and emotions, even if framed in terms of mirror neuron systems, still arises from our own internal visceromotor representations, based on our own learning and experiences (Strang, 2024). The warning is clear: we should not use a neuroscientific term as if it were an explanation when, in reality, it is not.

Interoception: the sense of the internal body

Interoception —the perception of internal bodily sensations, such as heartbeat, breathing, or viscera— is the third pillar Strang examines (Strang, 2024). Although her article does not dwell extensively on this concept, she mentions it as an emerging area of research with relevance to art therapy.

Artistic creation involves sensory and motor engagement that can modulate interoceptive awareness. Painting, modelling clay, or sculpting requires attention to bodily sensations, to hand pressure, to the texture of the material. This attention to the body could facilitate emotional regulation and the integration of traumatic experiences.

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Myths and warnings: what neuroscience cannot (yet) explain

One of the most valuable contributions of Strang's article is her warning about the myths and simplifications that circulate in clinical practice (Strang, 2024). The author notes that people tend to prefer explanations of psychological phenomena that include a neuroscientific component, even when the information is irrelevant (Strang, 2024). This cognitive bias —the "seductive allure of neuroscience" — can lead therapists and clients to accept attractive but unfounded explanations.

Strang identifies several dangers. The first is the attribution of causality to correlational data. That two phenomena are associated does not mean that one causes the other. The second is excessive simplification, which reduces complex processes to a single brain region or a single neurotransmitter. The third is lack of updating, when obsolete scientific concepts continue to be used because they are familiar or attractive.

The author does not propose abandoning the neuroscientific approach in art therapy, but adopting it with critical rigour. This implies: (1) clearly understanding the terminology; (2) thinking critically about the data in context; (3) updating knowledge as new data become available (Strang, 2024). The choice to share neuroscientific information with clients should be made in the context of the individual treatment plan, and the information should be accurate.

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Active creation versus passive observation

Although Strang's article focuses on art therapy —which involves active creation— it is relevant to highlight a distinction that runs through the neuroscientific literature: the difference between creating and contemplating. Passive observation of an artwork activates certain brain regions, but the active process of creation involves a much broader network: visual and tactile perception, emotion, memory, cognition, and voluntary and involuntary motor outputs (Strang, 2024).

This difference is crucial for research on the origin of art. Human art was not born as contemplation, but as action: hands that model, pigments that spread, tools that are wielded. Art therapy, by recovering this active dimension, connects us with a profound biological function that transcends mere aesthetic appreciation.

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Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Strang's analysis resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). Her three neurobiological pillars —neuroplasticity, mirror neuron systems, and interoception— can be reinterpreted in light of our three dimensions.

The S (Survival) dimension is expressed in the connection between creativity and neuroplasticity. Plasticity is the brain's capacity to adapt and survive in a changing environment. Art therapy, by stimulating plasticity, would be acting on the biological substrate of adaptation. Art, in its origin, was a homeostatic tool that allowed humans to process stress, regulate emotions, and maintain internal balance.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding interoception and mirror neuron systems in the therapeutic context. Interoception connects us with our body, with our internal sensations. But art does not stop at sensation: it symbolises it. By painting or sculpting, we transform a bodily experience into a symbolic object that can be shared and recognised by others. Mirror neuron systems, for their part, allow us to resonate with the states of others, but art goes further: it allows us to share symbols, to create a bridge between the internal and external worlds.

The C (Wholeness) dimension manifests in the search for coherence that underlies both artistic creation and healing. The act of creating a work involves integrating fragments into a coherent totality. Art therapy, by facilitating this process, offers the patient an experience of wholeness that can be deeply reparative. Art, in its origin, was a technology of integration: it allowed our ancestors to connect dispersed experiences into a shared narrative.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in Strang's article. It is not about rejecting neuroscientific explanations nor accepting them uncritically. It is about distinguishing levels: the level of empirical evidence, the level of clinical interpretation, and the level of philosophical theory. Strang offers a valuable reminder: neuroscience provides correlates, not ultimate explanations. Neuroscience tells us what happens in the brain when we create art, but not why that process is meaningful for a human being seeking to survive, symbolise, and achieve wholeness.

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Implications for future research

Strang's article opens several promising lines of work. The first is the need for hypothesis-driven research, not merely observational or correlational (Strang, 2024). To test whether art therapy produces specific neuroplastic changes, randomised controlled trials are needed that compare the intervention with active control conditions.

The second line is the updating of obsolete concepts. Strang mentions, for example, that hemispheric asymmetry theory —the idea that the right hemisphere is "creative" and the left "logical"— continues to be used in clinical practice even though current science has disproved it (Strang, 2024). It is necessary to review these beliefs and align practice with updated knowledge.

The third line is the exploration of interoception as a therapeutic mechanism. How does attention to the body during artistic creation influence emotional regulation? Can art therapy interventions improve interoceptive awareness and, with it, the ability to process traumatic experiences?

From our perspective, this research should also incorporate a symbolic dimension. Neuroscience can measure brain activation, but the meaning the patient attributes to their creation —the symbolon that emerges from the process— is equally relevant. Art therapy is not merely a neurobiological exercise; it is an act of meaning-making.

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Final considerations: art as encounter, not as formula

Christianne Strang's article reminds us that the link between art and neuroscience is promising but still incipient. We have clues, correlates, fascinating hypotheses. But we do not have a unified theory that explains how and why artistic creation heals.

This absence is not a weakness, but an opportunity. It invites us to maintain epistemic humility, not to confuse promise with evidence, not to use neuroscientific language as a wrapper for unvalidated clinical intuitions. Art therapy has a solid empirical foundation that continues to grow; but its mechanism of action remains, to a large extent, a mystery.

Perhaps that mystery points us to something deeper than neuroplasticity or mirror neurons. Art heals because it connects us with what we are: beings that need to survive (S), to symbolise (Y), and to achieve wholeness (C). Artistic creation is not a technique we apply to the brain from the outside; it is an expression of the single function of the nervous system. And as long as we remember that, art therapy will continue to be something more than a clinical intervention: it will be a testimony of our capacity to find meaning, and perhaps healing, in the act of creating.

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References

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Doctoral thesis, University of the Basque Country - Euskal Herriko Unibertsitatea]. ADDI Repository. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Kindle edition]. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Strang, C. E. (2024). Art therapy and neuroscience: Evidence, limits, and myths. Frontiers in Psychology, 15, Article 1484481. https://doi.org/10.3389/fpsyg.2024.1484481

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Autor / Author

Bernabé Mallo
 Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.
 

Bernabé Mallo
 PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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Crear para sanar: lo que la neurociencia revela (y oculta) sobre la arteterapia

 

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

Una reseña del artículo de Christianne E. Strang (2024): Art therapy and neuroscience: evidence, limits, and myths

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Introducción: más que dibujar, un acto de reconfiguración cerebral

La creación artística ha acompañado a nuestra especie durante milenios. Pero ¿qué ocurre en el cerebro cuando pintamos, modelamos o esculpimos? ¿Es la arteterapia una práctica con fundamento neurocientífico o un conjunto de intuiciones clínicas vestidas con una bata blanca?

Christianne E. Strang, investigadora de la Universidad de Alabama en Birmingham, publicó en 2024 en Frontiers in Psychology un artículo que disecciona con precisión el estado actual de la cuestión . Su objetivo es doble: por un lado, ofrecer una visión rigurosa de los conceptos neurobiológicos que se aplican a la arteterapia —neuroplasticidad, sistemas de neuronas espejo, interocepción—; por otro, advertir sobre los mitos y simplificaciones que circulan en la práctica clínica.

La tesis de Strang es clara: la arteterapia tiene un fundamento neurocientífico prometedor, pero aún sabemos poco sobre los mecanismos precisos que explican su eficacia. El entusiasmo por vincular la creatividad con la biología cerebral no debe llevarnos a confundir correlaciones con causalidades, ni a utilizar explicaciones neurocientíficas como un envoltorio atractivo pero vacío.

Desde la perspectiva de nuestra investigación sobre el modelo S/Y/C y la Filosofía Quirúrgica, el artículo de Strang ofrece una oportunidad para contrastar las aproximaciones clínicas y experimentales con nuestra comprensión del arte como fenómeno biológico y simbólico (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). El resultado, como veremos, es una invitación a la humildad epistémica y a la precisión conceptual.

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Los tres pilares neurobiológicos de la arteterapia

Strang organiza su análisis en torno a tres conceptos neurobiológicos que suelen invocarse para explicar los efectos terapéuticos de la creación artística: la neuroplasticidad, los sistemas de neuronas espejo y la interocepción . Examinemos cada uno de ellos.

Neuroplasticidad: el cerebro que se reescribe

La neuroplasticidad es la capacidad del cerebro para adaptarse y cambiar en respuesta a la experiencia, mediante cambios en el tamaño y número de contactos sinápticos . Strang señala que esta capacidad está alterada en trastornos mentales como la depresión, la ansiedad o el trastorno por estrés postraumático, donde se observa una densidad reducida de dendritas y sinapsis en la corteza.

El vínculo con la arteterapia es tentador: la creatividad se asocia con cambios en la conectividad funcional y en la expresión de genes vinculados a la plasticidad sináptica . El entrenamiento artístico parece inducir cambios neuroplásticos en circuitos frontales, emocionales y sensoriales . Si la depresión se caracteriza por una plasticidad disfuncional, entonces las intervenciones que fomentan la creatividad podrían ser eficaces para aliviar los síntomas.

Sin embargo, Strang advierte: la evidencia es correlacional, no causal. Que la creatividad y la plasticidad estén asociadas no prueba que la arteterapia produzca cambios neuroplásticos específicos. Para establecerlo, se necesitan estudios que midan esos cambios y los correlacionen con la reducción de síntomas, controlando otras variables . Como bien señala la autora, «el desafío será probar si la arteterapia produce cambios neuroplásticos que se correlacionen con la reducción de síntomas de depresión y si esos efectos son específicos de la intervención» .

Sistemas de neuronas espejo: ¿empatía neuronal o proyección?

Desde su descubrimiento en los años 90 en el córtex frontal de monos macacos, los sistemas de neuronas espejo han sido objeto de fascinación y también de exageración . Se ha sugerido que estos sistemas subyacen a la capacidad de inferir las intenciones y emociones de los demás a partir de nuestras propias experiencias internas, y que su activación está relacionada con la empatía y el aprendizaje social .

Strang introduce una nota de cautela. Las neuronas espejo también responden a movimientos no naturales de objetos inanimados , y la evidencia directa de que estos sistemas estén implicados en procesos cognitivos o empáticos de alto nivel es limitada . La autora advierte que, en el contexto de la arteterapia, es tentador especular que la activación de los sistemas espejo en el terapeuta al observar al cliente pueda relacionarse con conceptos psicodinámicos como la contratransferencia. Pero esa especulación, por atractiva que sea, no está respaldada por datos sólidos.

Además, cualquier inferencia que hagamos sobre la conducta, cognición y emociones del cliente, incluso si la enmarcamos en términos de sistemas de neuronas espejo, sigue surgiendo de nuestras propias representaciones visceromotoras internas, basadas en nuestro propio aprendizaje y experiencias . La advertencia es clara: no debemos utilizar un término neurocientífico como si fuera una explicación cuando, en realidad, no lo es.

Interocepción: el sentido del cuerpo interno

La interocepción —la percepción de las sensaciones internas del cuerpo, como el latido del corazón, la respiración o las vísceras— es el tercer pilar que Strang examina . Aunque su artículo no se detiene extensamente en este concepto, lo menciona como un área de investigación emergente con relevancia para la arteterapia.

La creación artística implica un compromiso sensorial y motor que puede modular la conciencia interoceptiva. Pintar, modelar arcilla o esculpir requiere atención a las sensaciones corporales, a la presión de la mano, a la textura del material. Esta atención al cuerpo podría facilitar la regulación emocional y la integración de experiencias traumáticas.

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Mitos y advertencias: lo que la neurociencia no puede (todavía) explicar

Una de las contribuciones más valiosas del artículo de Strang es su advertencia sobre los mitos y simplificaciones que circulan en la práctica clínica . La autora señala que las personas tienden a preferir explicaciones de fenómenos psicológicos que incluyen un componente neurocientífico, incluso cuando la información es irrelevante . Este sesgo cognitivo —el "efecto seductor de la neurociencia" — puede llevar a terapeutas y clientes a aceptar explicaciones atractivas pero infundadas.

Strang identifica varios peligros. El primero es la atribución de causalidad a datos correlacionales. Que dos fenómenos estén asociados no significa que uno cause el otro. El segundo es la simplificación excesiva, que reduce procesos complejos a una única región cerebral o a un único neurotransmisor. El tercero es la falta de actualización, cuando se siguen utilizando conceptos científicos obsoletos porque son familiares o atractivos.

La autora no propone abandonar el enfoque neurocientífico en arteterapia, sino adoptarlo con rigor crítico. Esto implica: (1) comprender claramente la terminología; (2) pensar críticamente sobre los datos en contexto; (3) actualizar el conocimiento a medida que se dispone de nuevos datos . La elección de compartir información neurocientífica con los clientes debe hacerse en el contexto del plan de tratamiento individual, y la información debe ser precisa.

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La creación activa versus la observación pasiva

Aunque el artículo de Strang se centra en la arteterapia —que implica la creación activa— es relevante destacar una distinción que atraviesa la literatura neurocientífica: la diferencia entre crear y contemplar. La observación pasiva de una obra de arte activa ciertas regiones cerebrales, pero el proceso activo de creación implica una red mucho más amplia: percepción visual y táctil, emoción, memoria, cognición y salidas motoras voluntarias e involuntarias .

Esta diferencia es crucial para la investigación sobre el origen del arte. El arte humano no nació como contemplación, sino como acción: manos que modelan, pigmentos que se extienden, herramientas que se empuñan. La arteterapia, al recuperar esa dimensión activa, nos conecta con una función biológica profunda que trasciende la mera apreciación estética.

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Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

El análisis de Strang resuena profundamente con la investigación que venimos desarrollando sobre el modelo S/Y/C del funcionamiento neuronal y la Ley de coherencia biológica (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). Sus tres pilares neurobiológicos —neuroplasticidad, sistemas de neuronas espejo e interocepción— pueden reinterpretarse a la luz de nuestras tres dimensiones.

La dimensión S (Supervivencia) se expresa en la conexión entre creatividad y neuroplasticidad. La plasticidad es la capacidad del cerebro para adaptarse y sobrevivir en un entorno cambiante. La arteterapia, al estimular la plasticidad, estaría actuando sobre el sustrato biológico de la adaptación. El arte, en su origen, fue una herramienta homeostática que permitió a los humanos procesar el estrés, regular las emociones y mantener el equilibrio interno.

La dimensión Y (Symbolon) es central para entender la interocepción y los sistemas de neuronas espejo en el contexto terapéutico. La interocepción nos conecta con nuestro cuerpo, con nuestras sensaciones internas. Pero el arte no se queda en la sensación: la simboliza. Al pintar o esculpir, transformamos una experiencia corporal en un objeto simbólico que puede ser compartido y reconocido por otros. Los sistemas de neuronas espejo, por su parte, nos permiten resonar con los estados de los demás, pero el arte va más allá: nos permite compartir símbolos, crear un puente entre el mundo interno y el externo.

La dimensión C (Completitud) se manifiesta en la búsqueda de coherencia que subyace tanto a la creación artística como a la curación. El acto de crear una obra implica integrar fragmentos en una totalidad coherente. La arteterapia, al facilitar este proceso, ofrece al paciente una experiencia de completitud que puede ser profundamente reparadora. El arte, en su origen, fue una tecnología de integración: permitió a nuestros antepasados conectar experiencias dispersas en una narrativa compartida.

La Filosofía Quirúrgica nos invita a aplicar un corte analítico preciso al artículo de Strang. No se trata de rechazar las explicaciones neurocientíficas ni de aceptarlas acríticamente. Se trata de distinguir niveles: el nivel de la evidencia empírica, el nivel de la interpretación clínica y el nivel de la teoría filosófica. Strang ofrece un recordatorio valioso: la neurociencia nos proporciona correlatos, no explicaciones últimas. La neurociencia nos dice qué ocurre en el cerebro cuando creamos arte, pero no por qué ese proceso es significativo para un ser humano que busca sobrevivir, simbolizar y completarse.

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Implicaciones para la investigación futura

El artículo de Strang abre varias líneas de trabajo prometedoras. La primera es la necesidad de investigación hipotético-deductiva, no solo observacional o correlacional . Para probar si la arteterapia produce cambios neuroplásticos específicos, se necesitan ensayos controlados aleatorizados que comparen la intervención con condiciones de control activas.

La segunda línea es la actualización de conceptos obsoletos. Strang menciona, por ejemplo, que la teoría de la asimetría hemisférica —la idea de que el hemisferio derecho es "creativo" y el izquierdo "lógico"— sigue utilizándose en la práctica clínica a pesar de que la ciencia actual la ha desmentido . Es necesario revisar estas creencias y alinear la práctica con el conocimiento actualizado.

La tercera línea es la exploración de la interocepción como mecanismo terapéutico. ¿Cómo influye la atención al cuerpo durante la creación artística en la regulación emocional? ¿Pueden las intervenciones arteterapéuticas mejorar la conciencia interoceptiva y, con ella, la capacidad de procesar experiencias traumáticas?

Desde nuestra perspectiva, estas investigaciones deberían incorporar también una dimensión simbólica. La neurociencia puede medir la activación cerebral, pero el significado que el paciente atribuye a su creación —el symbolon que emerge del proceso— es igualmente relevante. La arteterapia no es solo un ejercicio neurobiológico; es un acto de construcción de sentido.

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Consideraciones finales: el arte como encuentro, no como fórmula

El artículo de Christianne Strang nos recuerda que el vínculo entre arte y neurociencia es prometedor pero aún incipiente. Disponemos de indicios, de correlatos, de hipótesis fascinantes. Pero no tenemos una teoría unificada que explique cómo y por qué la creación artística cura.

Esa ausencia no es una debilidad, sino una oportunidad. Nos invita a mantener la humildad epistémica, a no confundir la promesa con la evidencia, a no utilizar el lenguaje neurocientífico como un envoltorio para intuiciones clínicas no validadas. La arteterapia tiene un fundamento empírico sólido que sigue creciendo; pero su mecanismo de acción sigue siendo, en buena medida, un misterio.

Quizás ese misterio nos remita a algo más profundo que la neuroplasticidad o las neuronas espejo. El arte cura porque nos conecta con lo que somos: seres que necesitan sobrevivir (S), simbolizar (Y) y completarse (C). La creación artística no es una técnica que aplicamos al cerebro desde fuera; es una expresión de la función única del sistema nervioso. Y mientras recordemos eso, la arteterapia seguirá siendo algo más que una intervención clínica: será un testimonio de nuestra capacidad para encontrar sentido, y quizás curación, en el acto de crear.

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Referencias bibliográficas

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Tesis doctoral, Universidad del País Vasco - Euskal Herriko Unibertsitatea]. Repositorio ADDI. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Versión Kindle]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

Strang, C. E. (2024). Art therapy and neuroscience: Evidence, limits, and myths. Frontiers in Psychology, 15, Article 1484481. https://doi.org/10.3389/fpsyg.2024.1484481

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Autor / Author

Bernabé Mallo
 Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.
 

Bernabé Mallo
 PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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ORCID: https://orcid.org/0000-0001-9002-9728
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The Algorithm and the Aura: Walter Benjamin in the Age of Artificial Intelligence

 

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

A review of Luciano Ambrosini's chapter (2025): The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin's Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence

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Introduction: can a machine have an aura?

In 1936, the German philosopher Walter Benjamin published an essay that would become one of the cornerstones of 20th-century art theory: The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction. There he introduced the concept of the aura: that unique, unrepeatable quality linked to the physical presence of the work and its tradition, which is lost when technical reproduction allows copies to be multiplied indefinitely. Photography and cinema, for Benjamin, were symptoms of this loss, but also bearers of new political functions.

Today, nearly a century later, we face an even more radical transformation. Artificial intelligence does not merely reproduce existing works; it generates new works without the need for a physical original. What, then, remains of the aura? Can an algorithm, with its cold mathematical efficiency, produce something that deserves that name?

Luciano Ambrosini, in a chapter published in 2025 within the volume Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times (Springer), addresses precisely this question (Ambrosini, 2025). The author proposes the apparently paradoxical notion of an "algorithmic aura" : a form of authenticity that resides not in the work's materiality or its history, but in its computational origin and the singularity of its generative process.

This approach, as we shall see, is not a mere extrapolation of Benjaminian thought, but a critical revision that attempts to account for the specificities of AI-generated art. From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, Ambrosini's analysis offers valuable tools for thinking about the relationship between technique, authenticity, and aesthetic experience in the context of creative machines (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b).

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Benjamin and the aura: a necessary reminder

Before delving into Ambrosini's proposal, it is worth recalling the central elements of Benjaminian theory. For Benjamin, the aura of a work of art is linked to its unique presence in space and time, to its unrepeatable "here and now". This presence confers on the work an authority, an authenticity, that tradition had considered inalienable.

Technical reproduction —lithography, photography, cinema— destroys that uniqueness. By multiplying copies, it separates the work from its original context, makes it accessible to the masses, strips it of its ritual character and gives it a political and pedagogical function. Benjamin saw in this process not only a loss, but also a gain: the possibility of an art in the service of collective emancipation, freed from the privileges of the elite.

AI-generated art, Ambrosini argues, poses an unprecedented challenge to this dichotomy. It is not a matter of reproducing an original, but of generation without an original. The AI work is not a copy of something earlier; it is, in principle, a novel creation. But neither does it have the physical uniqueness of traditional art, because it can be easily replicated and modified. Where, then, does the aura reside?

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The "algorithmic aura": a productive paradox

Ambrosini's answer is the proposal of an "algorithmic aura" . This is not a contradiction in terms, but an extension of the Benjaminian concept to adapt it to the technical conditions of the present.

What would this new form of aura consist of? Ambrosini suggests that the authenticity of an AI work resides not in its physical materiality, but in the singularity of its generative process. Each time an algorithm produces a work, it does so on the basis of a dataset, parameters, and an architecture that are unique. Even if the code is the same, the conditions of generation —training data, random seeds, previous interactions— can lead to unrepeatable results.

The "algorithmic aura" would thus be the trace of that unique process, the mark of a non-human intelligence that nevertheless produces something that challenges us, moves us, makes us think. It is not the aura of physical presence, but the vestige of a computational complexity that cannot be reduced to mere repetition.

This notion, as Ambrosini himself warns, is not without problems. Can a machine have "authenticity" in the Benjaminian sense? Are we not projecting onto the algorithm categories that only make sense in the context of human subjectivity? The author offers no definitive answers, but opens a path of inquiry worth exploring.

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Fluid authorship and digital democratisation

One of the most relevant aspects of Ambrosini's analysis is his treatment of the question of authorship in AI-generated art. Benjamin already noted that technical reproduction dilutes the figure of the traditional author, making it possible for works to circulate and be transformed by multiple agents.

With artificial intelligence, we witness an even deeper dissolution of the authorial figure. Authorship is no longer attributed to an individual consciousness, but is distributed along a chain of decisions and influences that includes the system's architecture, the provenance of the training data, the parameters selected by the operator, and even the randomness inherent to the generative process. The resulting work has no single father, but rather a diffuse network of contributors. This dispersal is not an anomaly, but the defining trait of a new creative ecology where the boundary between the human creator and the technical medium becomes unrecognizable. Ambrosini captures this transformation under the notion of "fluid authorship" , a concept that dismantles the figure of the creative genius and demands a thorough revision of inherited legal and aesthetic categories.

This fluidity has, however, a positive correlate: the democratisation of art. AI puts creative tools within reach of people without technical or artistic training. Anyone with access to a computer can generate images, music, or texts that previously would have required years of learning. This, as Ambrosini notes, challenges the power structures of the art world —galleries, museums, critics— and opens up the possibility of more inclusive and diverse expression.

Nevertheless, the author also warns of the dangers of this democratisation: the homogenisation of styles, the dependence on the same datasets, the risk that AI perpetuates biases and exclusions. The algorithm, like any tool, can be used to emancipate or to dominate. The difference lies in how we use it.

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Ethics, bias, and human agency

Ambrosini devotes a section of his chapter to the ethical considerations of AI-generated art (Ambrosini, 2025). From a Benjaminian perspective, he analyses issues such as algorithmic bias, intellectual property, and the potential manipulation of audiences.

Algorithmic bias is one of the most pressing problems. AI systems learn from historical data, and that data reflects the inequalities and prejudices of our societies. An algorithm trained on Western artworks will generate images that reproduce those canons, ignoring or distorting other traditions. Technical democratisation can thus become a reproduction of cultural hegemony, rather than genuine plurality.

The question of intellectual property is equally complex. If an AI generates a work that closely resembles that of a human artist, who is infringing copyright? The programmer? The user? The system itself? Current laws are not prepared to answer these questions, and Ambrosini suggests we need to rethink the legal framework from scratch.

Finally, the author addresses the need to preserve human agency in the creative process. AI should not replace the artist, but expand their capacities. The danger is not that machines will replace us, but that we will delegate to them decisions that only humans can make —what is beautiful, what is meaningful, what deserves to be remembered.

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Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Ambrosini's analysis resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). His notion of the "algorithmic aura" can be reinterpreted in light of our three dimensions.

The S (Survival) dimension reminds us that human aesthetic experience is rooted in homeostatic needs. Art moves us because it activates our autonomic nervous system, because it regulates our emotions, because it helps us survive symbolically. AI can generate formally complex objects, but it does not experience that need for regulation. Its "aura", if it exists, is not that of a living being seeking its balance, but that of a machine executing functions.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding the difference between human and algorithmic authenticity. Symbolon is an act of recognition through shared codes, a bridge between subjectivities. When a human contemplates a work, they do not only process forms; they recognise intentions, emotions, meanings. AI can produce works that we interpret as if they had intention, but that intention is projected by us. The "algorithmic aura" is, at bottom, an effect of our interpretation, not an intrinsic property of the algorithm.

The C (Wholeness) dimension points to the human need to close forms, to find coherent totalities. Art satisfies us when it achieves that wholeness. AI can generate formally closed objects, but it does not experience the drive toward wholeness. Its "aura" is, in this sense, a simulacrum of human wholeness.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in Ambrosini's proposal. It is not about rejecting the notion of "algorithmic aura" as false, but about distinguishing levels. At the level of technical production, the concept can be useful for describing the singularity of generative processes. At the level of full aesthetic experience, however, the "aura" remains the patrimony of the living. AI can surprise us, move us, inspire us. But the source of that emotion is not in the algorithm, but in our encounter with the algorithm. It is we who project onto the machine the capacity to move us. And that act of projection is, perhaps, the most human thing about art.

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Implications for future research

Ambrosini's chapter opens several promising lines of work. The first is the need for empirical research on how viewers perceive and value AI-generated art. Do they attribute "aura" to these works? Under what conditions? What factors modulate that attribution?

The second line is the development of new legal and ethical frameworks for AI art. Benjaminian categories —original, copy, author, spectator— need to be revised in light of generative technologies. Ambrosini offers clues, but the detailed work remains to be done.

The third line is the exploration of new forms of collaboration between humans and machines. If AI cannot have an aura by itself, perhaps it can help create hybrid works where the human and the algorithmic intertwine. The future of art is not the replacement of the human by the machine, but synergy between the two.

From our perspective, this research should also incorporate a neurobiological dimension. It is not enough to analyse concepts; we must study what happens in the brain when we contemplate an AI work. Are the same regions activated as in human art? Are there differences? Can we measure "aura" in terms of neuronal activation? These are open questions, and answering them is part of the challenge of contemporary neuroaesthetics.

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Final considerations: aura as encounter, not as property

Luciano Ambrosini's chapter reminds us that Walter Benjamin's thought, formulated nearly a century ago, remains extraordinarily fertile for thinking about our technological present. His concept of aura, conceived for the age of mechanical reproduction, can be reinterpreted for the age of algorithmic generation.

The notion of "algorithmic aura" is undoubtedly provocative. It forces us to ask what value we attribute to AI-generated works, and why. But perhaps Ambrosini's greatest achievement is to show that the aura is not a fixed property of works, but an effect of our relationship with them. If something has an aura, it is not because it exists in itself, but because we, the viewers, bestow it upon it.

And that is, perhaps, the deepest lesson for our research on the origin of art. Human art does not have an aura because it is "authentic" in a metaphysical sense, but because we treat it as such. We invest it with meaning, connect it with our history, make it part of our world. AI can produce objects that we also invest with meaning. But that act of investiture —that symbolon— remains human. And as long as it does, art, even that generated by algorithms, will continue to be a testimony of our capacity to find meaning in chaos.

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References

Ambrosini, Luciano (2025). The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin’s Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence. In Bhabani Shankar Nayak, Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times. Cham: Springer Nature Switzerland. pp. 133-160. https://philpapers.org/rec/AMBTAI 

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Doctoral thesis, University of the Basque Country - Euskal Herriko Unibertsitatea]. ADDI Repository. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

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Autor / Author

Bernabé Mallo
 Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.
 

Bernabé Mallo
 PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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Página de autor Amazon / Amazon Author Page: https://www.amazon.com/author/bernabemallo
ORCID: https://orcid.org/0000-0001-9002-9728
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El algoritmo y el aura: Walter Benjamin en la era de la inteligencia artificial

 

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

Una reseña del capítulo de Luciano Ambrosini (2025): The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin‘s Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence

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Introducción: ¿puede una máquina tener aura?

En 1936, el filósofo alemán Walter Benjamin publicó un ensayo que se convertiría en una de las piedras angulares de la teoría del arte del siglo XX: La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. Allí introdujo el concepto de aura: esa cualidad única, irrepetible, ligada a la presencia física de la obra y a su tradición, que se pierde cuando la reproducción técnica permite multiplicar copias indefinidamente. La fotografía y el cine, para Benjamin, eran síntomas de esta pérdida, pero también portadores de nuevas funciones políticas.

Hoy, casi un siglo después, nos enfrentamos a una transformación aún más radical. La inteligencia artificial no solo reproduce obras existentes; genera obras nuevas sin necesidad de un original físico. ¿Qué queda entonces del aura? ¿Puede un algoritmo, con su fría eficiencia matemática, producir algo que merezca ese nombre?

Luciano Ambrosini, en un capítulo publicado en 2025 dentro del volumen Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times (Springer), aborda precisamente esta cuestión (Ambrosini, 2025). El autor propone la noción, aparentemente paradójica, de un "aura algorítmica" : una forma de autenticidad que no reside en la materialidad de la obra ni en su historia, sino en su origen computacional y en la singularidad de su proceso generativo.

Este planteamiento, como veremos, no es una mera extrapolación del pensamiento benjaminiano, sino una revisión crítica que intenta dar cuenta de las especificidades del arte generado por IA. Desde la perspectiva de nuestra investigación sobre el modelo S/Y/C y la Filosofía Quirúrgica, el análisis de Ambrosini ofrece herramientas valiosas para pensar la relación entre técnica, autenticidad y experiencia estética en el contexto de las máquinas creadoras (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b).

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Benjamin y el aura: un recordatorio necesario

Antes de adentrarnos en la propuesta de Ambrosini, conviene recordar los elementos centrales de la teoría benjaminiana. Para Benjamin, el aura de una obra de arte está vinculada a su presencia única en el espacio y el tiempo, a su "aquí y ahora" irrepetible. Esta presencia confiere a la obra una autoridad, una autenticidad, que la tradición había considerado inalienable.

La reproducción técnica —la litografía, la fotografía, el cine— destruye esa unicidad. Al multiplicar las copias, separa la obra de su contexto original, la hace accesible a las masas, la despoja de su carácter ritual para conferirle una función política y pedagógica. Benjamin veía en este proceso no solo una pérdida, sino también una ganancia: la posibilidad de un arte al servicio de la emancipación colectiva, liberado de los privilegios de la élite.

El arte generado por IA, sostiene Ambrosini, plantea un desafío inédito a esta dicotomía. No se trata de reproducción de un original, sino de generación sin original. La obra de IA no es copia de algo anterior; es, en principio, una creación novedosa. Pero tampoco tiene la unicidad física del arte tradicional, porque puede ser replicada y modificada con facilidad. ¿Dónde queda entonces el aura?

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El "aura algorítmica": una paradoja productiva

La respuesta de Ambrosini es la propuesta de un "aura algorítmica" . No se trata de una contradicción en los términos, sino de una ampliación del concepto benjaminiano para adaptarlo a las condiciones técnicas del presente.

¿En qué consistiría esta nueva forma de aura? Ambrosini sugiere que la autenticidad de una obra de IA no reside en su materialidad física, sino en la singularidad de su proceso generativo. Cada vez que un algoritmo produce una obra, lo hace a partir de un conjunto de datos, unos parámetros, una arquitectura, que son únicos. Incluso si el código es el mismo, las condiciones de la generación —los datos de entrenamiento, las semillas aleatorias, las interacciones previas— pueden dar lugar a resultados irrepetibles.

El "aura algorítmica" sería, así, la huella de ese proceso único, la marca de una inteligencia no humana que, sin embargo, produce algo que nos interpela, nos conmueve, nos hace pensar. No es el aura de la presencia física, sino el rastro de una complejidad computacional que no puede ser reducida a mera repetición.

Esta noción, como advierte el propio Ambrosini, no está exenta de problemas. ¿Puede una máquina tener "autenticidad" en el sentido benjaminiano? ¿No estamos proyectando sobre el algoritmo categorías que solo tienen sentido en el contexto de la subjetividad humana? El autor no ofrece respuestas definitivas, pero abre una vía de indagación que merece ser explorada.

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Autoría fluida y democratización digital

Uno de los aspectos más relevantes del análisis de Ambrosini es su tratamiento de la cuestión de la autoría en el arte generado por IA. Benjamin ya había señalado que la reproducción técnica diluye la figura del autor tradicional, al hacer posible que las obras circulen y sean transformadas por múltiples agentes.

Con la inteligencia artificial asistimos a una disolución aún más profunda de la figura autoral. La autoría ya no se adscribe a una conciencia individual, sino que se distribuye a lo largo de una cadena de decisiones e influencias que incluye la arquitectura del sistema, la procedencia de los datos de aprendizaje, los parámetros seleccionados por el operador e incluso la propia aleatoriedad del proceso generativo. La obra resultante no tiene un padre único, sino una red difusa de contribuyentes. Esta dispersión no es una anomalía, sino el rasgo distintivo de una nueva ecología creativa donde la frontera entre el creador humano y el medio técnico se vuelve irreconocible. Ambrosini captura esta transformación bajo la noción de "autoría fluida" , un concepto que desmantela la figura del genio creador y exige una revisión profunda de las categorías jurídicas y estéticas heredadas.

Esta fluidez tiene, sin embargo, un correlato positivo: la democratización del arte. La IA pone herramientas de creación al alcance de personas sin formación técnica o artística. Cualquier persona con acceso a un ordenador puede generar imágenes, música o textos que antes habrían requerido años de aprendizaje. Esto, como señala Ambrosini, desafía las estructuras de poder del mundo del arte —galerías, museos, críticos— y abre la posibilidad de una expresión más inclusiva y diversa.

No obstante, el autor también advierte sobre los peligros de esta democratización: la homogeneización de los estilos, la dependencia de los mismos conjuntos de datos, el riesgo de que la IA perpetúe sesgos y exclusiones. El algoritmo, como cualquier herramienta, puede ser utilizado para emancipar o para dominar. La diferencia está en cómo lo usamos.

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Ética, sesgo y agencia humana

Ambrosini dedica una sección de su capítulo a las consideraciones éticas del arte generado por IA (Ambrosini, 2025). Desde una perspectiva benjaminiana, analiza cuestiones como el sesgo algorítmico, la propiedad intelectual y la potencial manipulación de las audiencias.

El sesgo algorítmico es uno de los problemas más acuciantes. Los sistemas de IA aprenden de datos históricos, y esos datos reflejan las desigualdades y prejuicios de nuestras sociedades. Un algoritmo entrenado con obras de arte occidentales generará imágenes que reproducen esos cánones, ignorando o distorsionando otras tradiciones. La democratización técnica puede convertirse así en una reproducción de la hegemonía cultural, en lugar de una auténtica pluralidad.

La cuestión de la propiedad intelectual es igualmente compleja. Si una IA genera una obra que se parece mucho a la de un artista humano, ¿quién infringe los derechos de autor? ¿El programador? ¿El usuario? ¿El propio sistema? Las leyes actuales no están preparadas para responder a estas preguntas, y Ambrosini sugiere que necesitamos repensar el marco legal desde cero.

Finalmente, el autor aborda la necesidad de preservar la agencia humana en el proceso creativo. La IA no debe sustituir al artista, sino ampliar sus capacidades. El peligro no es que las máquinas nos reemplacen, sino que deleguemos en ellas decisiones que solo los humanos pueden tomar —qué es bello, qué es significativo, qué merece ser recordado.

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Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

El análisis de Ambrosini resuena profundamente con la investigación que venimos desarrollando sobre el modelo S/Y/C del funcionamiento neuronal y la Ley de coherencia biológica (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). Su noción de "aura algorítmica" puede reinterpretarse a la luz de nuestras tres dimensiones.

La dimensión S (Supervivencia) nos recuerda que la experiencia estética humana está enraizada en necesidades homeostáticas. El arte nos conmueve porque activa nuestro sistema nervioso autónomo, porque regula nuestras emociones, porque nos ayuda a sobrevivir simbólicamente. La IA puede generar objetos formalmente complejos, pero no experimenta esa necesidad de regulación. Su "aura", si existe, no es la de un ser vivo que busca su equilibrio, sino la de una máquina que ejecuta funciones.

La dimensión Y (Symbolon) es central para entender la diferencia entre la autenticidad humana y la algorítmica. El symbolon es un acto de reconocimiento mediante códigos compartidos, un puente entre subjetividades. Cuando un humano contempla una obra, no solo procesa formas; reconoce intenciones, emociones, significados. La IA puede producir obras que interpretamos como si tuvieran intención, pero esa intención es proyectada por nosotros. El "aura algorítmica" es, en el fondo, un efecto de nuestra interpretación, no una propiedad intrínseca del algoritmo.

La dimensión C (Completitud) apunta a la necesidad humana de cerrar formas, de encontrar totalidades coherentes. El arte nos satisface cuando logra esa completitud. La IA puede generar objetos formalmente cerrados, pero no experimenta la pulsión hacia la completitud. Su "aura" es, en este sentido, un simulacro de la completitud humana.

La Filosofía Quirúrgica nos invita a aplicar un corte analítico preciso en la propuesta de Ambrosini. No se trata de rechazar la noción de "aura algorítmica" como falsa, sino de distinguir niveles. En el nivel de la producción técnica, el concepto puede ser útil para describir la singularidad de los procesos generativos. En el nivel de la experiencia estética plena, sin embargo, el "aura" sigue siendo patrimonio de lo vivo. La IA puede sorprendernos, conmovernos, inspirarnos. Pero la fuente de esa emoción no está en el algoritmo, sino en nuestro encuentro con el algoritmo. Somos nosotros quienes proyectamos sobre la máquina la capacidad de conmover. Y ese acto de proyección es, quizás, lo más humano del arte.

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Implicaciones para la investigación futura

El capítulo de Ambrosini abre varias líneas de trabajo prometedoras. La primera es la necesidad de investigación empírica sobre cómo los espectadores perciben y valoran el arte generado por IA. ¿Atribuyen "aura" a estas obras? ¿En qué condiciones? ¿Qué factores modulan esa atribución?

La segunda línea es el desarrollo de nuevos marcos legales y éticos para el arte de IA. Las categorías benjaminianas —original, copia, autor, espectador— necesitan ser revisadas a la luz de las tecnologías generativas. Ambrosini ofrece pistas, pero el trabajo de detalle está por hacer.

La tercera línea es la exploración de nuevas formas de colaboración entre humanos y máquinas. Si la IA no puede tener aura por sí misma, quizás sí pueda contribuir a crear obras híbridas donde lo humano y lo algorítmico se entrelacen. El futuro del arte no es la sustitución del humano por la máquina, sino la sinergia entre ambos.

Desde nuestra perspectiva, estas investigaciones deberían incorporar también una dimensión neurobiológica. No basta con analizar conceptos; hay que estudiar qué ocurre en el cerebro cuando contemplamos una obra de IA. ¿Se activan las mismas regiones que ante el arte humano? ¿Hay diferencias? ¿Podemos medir el "aura" en términos de activación neuronal? Son preguntas abiertas, y responderlas es parte del desafío de la neuroestética contemporánea.

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Consideraciones finales: el aura como encuentro, no como propiedad

El capítulo de Luciano Ambrosini nos recuerda que el pensamiento de Walter Benjamin, formulado hace casi un siglo, sigue siendo extraordinariamente fértil para pensar nuestro presente tecnológico. Su concepto de aura, pensado para la era de la reproducción mecánica, puede ser reinterpretado para la era de la generación algorítmica.

La noción de "aura algorítmica" es, sin duda, provocadora. Nos obliga a preguntarnos qué valor otorgamos a las obras generadas por IA, y por qué. Pero quizás el mayor acierto de Ambrosini sea mostrar que el aura no es una propiedad fija de las obras, sino un efecto de nuestra relación con ellas. Si algo tiene aura, no es porque exista en sí mismo, sino porque nosotros, los espectadores, se la otorgamos.

Y esa es, quizás, la lección más profunda para nuestra investigación sobre el origen del arte. El arte humano no tiene aura porque sea "auténtico" en un sentido metafísico, sino porque lo tratamos como tal. Lo investimos de significado, lo conectamos con nuestra historia, lo hacemos parte de nuestro mundo. La IA puede producir objetos que también investimos de significado. Pero ese acto de investidura —ese symbolon— sigue siendo humano. Y mientras lo sea, el arte, incluso el generado por algoritmos, seguirá siendo un testimonio de nuestra capacidad para encontrar sentido en el caos.

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Referencias bibliográficas

Ambrosini, Luciano (2025). The Aura in the Algorithm: Reimagining Walter Benjamin’s Aesthetic Theory in the Era of Artificial Intelligence. In Bhabani Shankar Nayak, Dialectic of Digital Enlightenment: Reclaiming Radical Philosophy for Our Times. Cham: Springer Nature Switzerland. pp. 133-160. https://philpapers.org/rec/AMBTAI

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Tesis doctoral, Universidad del País Vasco - Euskal Herriko Unibertsitatea]. Repositorio ADDI. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Versión Kindle]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

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Autor / Author

Bernabé Mallo
 Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.
 

Bernabé Mallo
 PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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The Healing Power of Art: When Aesthetic Experience Becomes Therapy

 

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

A review of the article "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

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Introduction: beyond pleasure, towards repair

For centuries, artistic contemplation has been considered a noble, refined, even spiritual activity. But can it also be healing? Can a painting, a symphony, or a sculpture help repair a brain damaged by a stroke or a neurodegenerative disease?

An article published in 2025 in the journal Frontiers in Psychology addresses precisely this question from the perspective of applied neuroaesthetics (Colombi et al., 2025). The authors analyse the so-called "Michelangelo Effect", a phenomenon demonstrating how observing artworks not only activates brain regions associated with pleasure but also stimulates neuroplasticity mechanisms with therapeutic potential.

The central thesis is revolutionary: aesthetic experience is not a cultural luxury, but a formal clinical tool that could be integrated into cognitive rehabilitation protocols. For patients who have suffered cerebrovascular accidents or who suffer from neurodegenerative diseases such as Alzheimer's or Parkinson's, planned exposure to artistic stimuli could be an effective non-pharmacological intervention.

From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, this study offers empirical evidence of something we have long held theoretically: that art is not an ornament, but a biological regulation mechanism with deep evolutionary roots (Mallo, 2025, 2026a, 2026b).

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What is the "Michelangelo Effect"?

The term "Michelangelo Effect" refers to the capacity of high-aesthetic-quality artworks to generate intense emotional and cerebral responses. The article's authors review previous studies demonstrating that contemplating masterpieces —by Michelangelo, but not exclusively— activates regions of the reward system, the prefrontal cortex, and areas involved in autobiographical memory and sustained attention (Colombi et al., 2025).

What is novel is not that art activates the brain —we already knew that— but that this activation can be channelled for therapeutic purposes. In patients with neurological damage, certain neural networks remain intact or retain some capacity for reorganisation. Aesthetic experience, by mobilising affect, attention, and meaning, could act as a cognitive scaffold that facilitates plasticity and functional recovery.

The "Michelangelo Effect" is thus not a poetic metaphor, but a neuroscientific construct with concrete clinical implications. Its name evokes artistic excellence, but its application extends to any aesthetic stimulus that generates a sufficiently intense emotional response to promote changes in the brain's functional architecture.

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Neuroplasticity and rehabilitation: art as a tool

Neuroplasticity —the nervous system's capacity to reorganise itself in response to experience, learning, or injury— is the biological substrate of any cognitive rehabilitation process. Traditionally, rehabilitation protocols have been based on repetitive exercises, memory tasks, attention, or language. The novelty introduced by the article is the inclusion of aesthetic experience as a modulator of that plasticity (Colombi et al., 2025).

Why might art be more effective than a standard exercise? The authors suggest several hypotheses. First, artistic contemplation mobilises multiple brain systems simultaneously: visual perception, emotion, memory, attention, reflection. This distributed activation could favour the reorganisation of damaged networks by involving preserved areas.

Second, aesthetic experience generates pleasure and motivation. A patient who enjoys an artwork is more attentive, more engaged, more predisposed to sustain cognitive effort. This contrasts with the monotony of certain traditional therapeutic exercises, which often prove tedious or demotivating.

Third, art evokes personal and cultural meanings. A painting can trigger memories, associations, reflections on one's own life. This autobiographical dimension is especially relevant for patients with mild cognitive impairment or neurodegenerative diseases, where preserving personal identity is a therapeutic goal in itself.

The authors therefore propose that aesthetic stimuli be considered first-line non-pharmacological interventions for certain patient profiles. The aim is not to replace existing treatments, but to complement them with a tool that is both effective, accessible, and low-cost.

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The context of population ageing

The article does not emerge in a vacuum. The authors contextualise their proposal within the increase in life expectancy and the consequent rise in neurodegenerative diseases and cerebrovascular accidents (Colombi et al., 2025). Dementias —especially Alzheimer's—, Parkinson's, and strokes are today major health challenges. And the available pharmacological treatments are, at best, palliative or merely symptomatic.

In this context, the search for effective non-pharmacological interventions has become a priority. Cognitive stimulation, physical training, music therapy, and other approaches have shown moderate benefits. Applied neuroaesthetics now joins this repertoire with a solid empirical foundation and an additional attraction: art not only "exercises" the brain, but does so within a framework of pleasure and meaning, which could increase treatment adherence.

The authors review theoretical models and preliminary evidence, but caution that controlled clinical trials are still needed to validate the efficacy of these interventions. Nevertheless, results to date are promising and justify investment in research.

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Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

This clinical study resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). What the authors describe as the "Michelangelo Effect" is nothing other than a manifestation of how art activates the three dimensions of our neural function.

The S (Survival) dimension is expressed in art's potential to mobilise the reward system and reduce stress. In a patient with neurological damage, aesthetic experience can contribute to cerebral homeostasis, regulating emotional arousal and facilitating a neurochemical environment conducive to plasticity. It is no accident that regions such as the nucleus accumbens or the orbitofrontal cortex —implicated in pleasure and valuation— are activated by beauty. Art, from its origins, has been a regulator of internal balance.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding art's therapeutic power. Art is not just form: it is shared meaning. When a patient contemplates a work, they do not only process colours and lines; they evoke memories, interpret symbols, connect with their personal and cultural history. This symbolic dimension allows aesthetic experience to have lasting effects, beyond the moment of contemplation. Symbolon —the act of recognition through shared codes— is the bridge between neurobiology and biography.

The C (Wholeness) dimension manifests in the search for coherence that underlies aesthetic experience. The human brain yearns for totalities, closed patterns, emergent meanings. Art satisfies this drive, offering an order that calms uncertainty and reduces cognitive entropy. In a patient with neurological damage, whose world may have fragmented, the experience of wholeness that art provides is doubly valuable: it not only exercises cognition, but restores a sense of existential coherence.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in this therapeutic proposal. It is not about reducing art to a mere clinical tool —that would be impoverishing— but about recognising that its healing efficacy is a natural consequence of its original biological function. Art was born as homeostatic technology, and neuropsychological rehabilitation is nothing other than a modern, systematised, scientific application of that ancestral function.

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Implications for future research

The Frontiers in Psychology article opens several promising lines of work (Colombi et al., 2025). The most urgent is the design of randomised clinical trials comparing the efficacy of art-based interventions with conventional treatments or placebos. How many sessions are necessary? What type of stimuli are most effective? Are there differences according to patient profile (stroke, Alzheimer's, Parkinson's)? Does familiarity with art modulate the effect?

Second, the authors suggest the need to develop standardised protocols that allow neuroaesthetics to be integrated into rehabilitation centres. The goal is not merely to take patients to museums —though that would also be beneficial— but to design interventions with rigorous dosing, control, and evaluation.

Third, the study invites exploration of the underlying neurobiology using imaging techniques such as functional magnetic resonance imaging or electroencephalography. Which networks are activated during artistic contemplation in patients with brain damage? How do they differ from activations in healthy subjects? Can therapeutic benefits be predicted from activation patterns?

From our perspective, these studies should also incorporate a phenomenological dimension. It is not enough to measure what happens in the brain; we must ask patients what they feel, what meaning they attribute to the experience, how they integrate the work into their personal narrative. Art heals, perhaps, not only because it stimulates neurons, but because it restores the sense of being someone in a meaningful world.

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Final considerations: art as medicine for the embodied spirit

The article on neuroaesthetics and rehabilitation reminds us of something traditional cultures never forgot: that art has healing power. But now we have tools to understand why. It is not magic, not placebo. It is biology.

Art activates the same neural networks as reward, emotion, and meaning. It mobilises plasticity, facilitates reorganisation, reduces stress. And it does so, moreover, within a framework of pleasure that increases motivation and adherence. In an ageing world, where neurodegenerative diseases are increasingly prevalent, art presents itself as an accessible, low-cost tool with few side effects.

From our research on the origin of art in the Homo species, we see in these findings an empirical confirmation of our theses (Mallo, 2025, 2026a, 2026b). Art was not born as luxury, but as necessity. It is not an ornament of culture, but a biological regulation mechanism. That it can now be used in hospitals and rehabilitation centres is not an absolute novelty, but the recovery of ancestral wisdom under the guise of science.

The "Michelangelo Effect" teaches us that beauty not only moves the soul. It repairs the body. And it does so because, deep down, soul and body were never separate. Art heals because it speaks directly to that functional unity we call S/Y/C: survival, symbol, and wholeness. And that unity is precisely what makes us human.

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References

Colombi, F., Varesio, G., Selini, E., Amighetti, E., Crepaldi, M., Fusi, G., Ronga, I., Cancer, A., Antonietti, A., Geminiani, G. C., & Rusconi, M. L. (2025). Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation. Frontiers in Psychology, 16, Article 1671220. https://doi.org/10.3389/fpsyg.2025.1671220

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Doctoral thesis, University of the Basque Country - Euskal Herriko Unibertsitatea]. ADDI Repository. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

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Autor / Author

Bernabé Mallo
 Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.
 

Bernabé Mallo
 PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
 Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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