Neurofilosofía y Pensamiento Actual Neurophilosophy and Contemporary Thought

lunes, 15 de junio de 2026

The Healing Power of Art: When Aesthetic Experience Becomes Therapy

Bernabé Mallo

Doctor en Filosofía por la Universidad del País Vasco (UPV/EHU)
Investigador en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte. / PhD in Philosophy – University of the Basque Country (UPV/EHU)
Researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origins of art.

A review of the article "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introduction: beyond pleasure, towards repair

For centuries, artistic contemplation has been considered a noble, refined, even spiritual activity. But can it also be healing? Can a painting, a symphony, or a sculpture help repair a brain damaged by a stroke or a neurodegenerative disease?

An article published in 2025 in the journal Frontiers in Psychology addresses precisely this question from the perspective of applied neuroaesthetics (Colombi et al., 2025). The authors analyse the so-called "Michelangelo Effect", a phenomenon demonstrating how observing artworks not only activates brain regions associated with pleasure but also stimulates neuroplasticity mechanisms with therapeutic potential.

The central thesis is revolutionary: aesthetic experience is not a cultural luxury, but a formal clinical tool that could be integrated into cognitive rehabilitation protocols. For patients who have suffered cerebrovascular accidents or who suffer from neurodegenerative diseases such as Alzheimer's or Parkinson's, planned exposure to artistic stimuli could be an effective non-pharmacological intervention.

From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, this study offers empirical evidence of something we have long held theoretically: that art is not an ornament, but a biological regulation mechanism with deep evolutionary roots (Mallo, 2025, 2026a, 2026b).

What is the "Michelangelo Effect"?

The term "Michelangelo Effect" refers to the capacity of high-aesthetic-quality artworks to generate intense emotional and cerebral responses. The article's authors review previous studies demonstrating that contemplating masterpieces —by Michelangelo, but not exclusively— activates regions of the reward system, the prefrontal cortex, and areas involved in autobiographical memory and sustained attention (Colombi et al., 2025).

What is novel is not that art activates the brain —we already knew that— but that this activation can be channelled for therapeutic purposes. In patients with neurological damage, certain neural networks remain intact or retain some capacity for reorganisation. Aesthetic experience, by mobilising affect, attention, and meaning, could act as a cognitive scaffold that facilitates plasticity and functional recovery.

The "Michelangelo Effect" is thus not a poetic metaphor, but a neuroscientific construct with concrete clinical implications. Its name evokes artistic excellence, but its application extends to any aesthetic stimulus that generates a sufficiently intense emotional response to promote changes in the brain's functional architecture.

Neuroplasticity and rehabilitation: art as a tool

Neuroplasticity —the nervous system's capacity to reorganise itself in response to experience, learning, or injury— is the biological substrate of any cognitive rehabilitation process. Traditionally, rehabilitation protocols have been based on repetitive exercises, memory tasks, attention, or language. The novelty introduced by the article is the inclusion of aesthetic experience as a modulator of that plasticity (Colombi et al., 2025).

Why might art be more effective than a standard exercise? The authors suggest several hypotheses. First, artistic contemplation mobilises multiple brain systems simultaneously: visual perception, emotion, memory, attention, reflection. This distributed activation could favour the reorganisation of damaged networks by involving preserved areas.

Second, aesthetic experience generates pleasure and motivation. A patient who enjoys an artwork is more attentive, more engaged, more predisposed to sustain cognitive effort. This contrasts with the monotony of certain traditional therapeutic exercises, which often prove tedious or demotivating.

Third, art evokes personal and cultural meanings. A painting can trigger memories, associations, reflections on one's own life. This autobiographical dimension is especially relevant for patients with mild cognitive impairment or neurodegenerative diseases, where preserving personal identity is a therapeutic goal in itself.

The authors therefore propose that aesthetic stimuli be considered first-line non-pharmacological interventions for certain patient profiles. The aim is not to replace existing treatments, but to complement them with a tool that is both effective, accessible, and low-cost.

The context of population ageing

The article does not emerge in a vacuum. The authors contextualise their proposal within the increase in life expectancy and the consequent rise in neurodegenerative diseases and cerebrovascular accidents (Colombi et al., 2025). Dementias —especially Alzheimer's—, Parkinson's, and strokes are today major health challenges. And the available pharmacological treatments are, at best, palliative or merely symptomatic.

In this context, the search for effective non-pharmacological interventions has become a priority. Cognitive stimulation, physical training, music therapy, and other approaches have shown moderate benefits. Applied neuroaesthetics now joins this repertoire with a solid empirical foundation and an additional attraction: art not only "exercises" the brain, but does so within a framework of pleasure and meaning, which could increase treatment adherence.

The authors review theoretical models and preliminary evidence, but caution that controlled clinical trials are still needed to validate the efficacy of these interventions. Nevertheless, results to date are promising and justify investment in research.

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

This clinical study resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). What the authors describe as the "Michelangelo Effect" is nothing other than a manifestation of how art activates the three dimensions of our neural function.

The S (Survival) dimension is expressed in art's potential to mobilise the reward system and reduce stress. In a patient with neurological damage, aesthetic experience can contribute to cerebral homeostasis, regulating emotional arousal and facilitating a neurochemical environment conducive to plasticity. It is no accident that regions such as the nucleus accumbens or the orbitofrontal cortex —implicated in pleasure and valuation— are activated by beauty. Art, from its origins, has been a regulator of internal balance.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding art's therapeutic power. Art is not just form: it is shared meaning. When a patient contemplates a work, they do not only process colours and lines; they evoke memories, interpret symbols, connect with their personal and cultural history. This symbolic dimension allows aesthetic experience to have lasting effects, beyond the moment of contemplation. Symbolon —the act of recognition through shared codes— is the bridge between neurobiology and biography.

The C (Wholeness) dimension manifests in the search for coherence that underlies aesthetic experience. The human brain yearns for totalities, closed patterns, emergent meanings. Art satisfies this drive, offering an order that calms uncertainty and reduces cognitive entropy. In a patient with neurological damage, whose world may have fragmented, the experience of wholeness that art provides is doubly valuable: it not only exercises cognition, but restores a sense of existential coherence.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in this therapeutic proposal. It is not about reducing art to a mere clinical tool —that would be impoverishing— but about recognising that its healing efficacy is a natural consequence of its original biological function. Art was born as homeostatic technology, and neuropsychological rehabilitation is nothing other than a modern, systematised, scientific application of that ancestral function.

Implications for future research

The Frontiers in Psychology article opens several promising lines of work (Colombi et al., 2025). The most urgent is the design of randomised clinical trials comparing the efficacy of art-based interventions with conventional treatments or placebos. How many sessions are necessary? What type of stimuli are most effective? Are there differences according to patient profile (stroke, Alzheimer's, Parkinson's)? Does familiarity with art modulate the effect?

Second, the authors suggest the need to develop standardised protocols that allow neuroaesthetics to be integrated into rehabilitation centres. The goal is not merely to take patients to museums —though that would also be beneficial— but to design interventions with rigorous dosing, control, and evaluation.

Third, the study invites exploration of the underlying neurobiology using imaging techniques such as functional magnetic resonance imaging or electroencephalography. Which networks are activated during artistic contemplation in patients with brain damage? How do they differ from activations in healthy subjects? Can therapeutic benefits be predicted from activation patterns?

From our perspective, these studies should also incorporate a phenomenological dimension. It is not enough to measure what happens in the brain; we must ask patients what they feel, what meaning they attribute to the experience, how they integrate the work into their personal narrative. Art heals, perhaps, not only because it stimulates neurons, but because it restores the sense of being someone in a meaningful world.

Final considerations: art as medicine for the embodied spirit

The article on neuroaesthetics and rehabilitation reminds us of something traditional cultures never forgot: that art has healing power. But now we have tools to understand why. It is not magic, not placebo. It is biology.

Art activates the same neural networks as reward, emotion, and meaning. It mobilises plasticity, facilitates reorganisation, reduces stress. And it does so, moreover, within a framework of pleasure that increases motivation and adherence. In an ageing world, where neurodegenerative diseases are increasingly prevalent, art presents itself as an accessible, low-cost tool with few side effects.

From our research on the origin of art in the Homo species, we see in these findings an empirical confirmation of our theses (Mallo, 2025, 2026a, 2026b). Art was not born as luxury, but as necessity. It is not an ornament of culture, but a biological regulation mechanism. That it can now be used in hospitals and rehabilitation centres is not an absolute novelty, but the recovery of ancestral wisdom under the guise of science.

The "Michelangelo Effect" teaches us that beauty not only moves the soul. It repairs the body. And it does so because, deep down, soul and body were never separate. Art heals because it speaks directly to that functional unity we call S/Y/C: survival, symbol, and wholeness. And that unity is precisely what makes us human.

References

Colombi, F., Varesio, G., Selini, E., Amighetti, E., Crepaldi, M., Fusi, G., Ronga, I., Cancer, A., Antonietti, A., Geminiani, G. C., & Rusconi, M. L. (2025). Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation. Frontiers in Psychology, 16, Article 1671220. https://doi.org/10.3389/fpsyg.2025.1671220

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Doctoral thesis, University of the Basque Country - Euskal Herriko Unibertsitatea]. ADDI Repository. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, B. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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El arte que cura: cuando la experiencia estética se convierte en terapia

Bernabé Mallo

Una reseña sobre el artículo "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introducción: más allá del placer, la reparación

Durante siglos, la contemplación artística ha sido considerada una actividad noble, refinada, incluso espiritual. Pero ¿puede también ser curativa? ¿Puede una pintura, una sinfonía o una escultura contribuir a reparar un cerebro dañado por un infarto o por una enfermedad neurodegenerativa?

Un artículo publicado en 2025 en la revista Frontiers in Psychology aborda precisamente esta cuestión desde la perspectiva de la neuroestética aplicada (Colombi et al., 2025). Los autores analizan el denominado "Efecto Miguel Ángel", un fenómeno que demuestra cómo la observación de obras de arte no solo activa regiones cerebrales asociadas al placer, sino que también estimula mecanismos de neuroplasticidad con potencial terapéutico.

La tesis central es revolucionaria: la experiencia estética no es un lujo cultural, sino una herramienta clínica formal que podría integrarse en protocolos de rehabilitación cognitiva. Para pacientes que han sufrido accidentes cerebrovasculares o que padecen enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer o el Parkinson, la exposición planificada a estímulos artísticos podría ser una intervención no farmacológica eficaz.

Desde la perspectiva de nuestra investigación sobre el modelo S/Y/C y la Filosofía Quirúrgica, este estudio ofrece evidencia empírica de algo que hemos sostenido teóricamente: que el arte no es un adorno, sino un mecanismo de regulación biológica con profundas raíces evolutivas (Mallo, 2025, 2026a, 2026b).

¿Qué es el "Efecto Miguel Ángel"?

La denominación "Efecto Miguel Ángel" hace referencia a la capacidad de las obras de arte de alta calidad estética para generar respuestas emocionales y cerebrales intensas. Los autores del artículo revisan estudios previos que demuestran que la contemplación de piezas maestras —como las de Miguel Ángel, pero no exclusivamente— activa regiones del sistema de recompensa, la corteza prefrontal y áreas implicadas en la memoria autobiográfica y la atención sostenida (Colombi et al., 2025).

Lo novedoso no es que el arte active el cerebro —eso ya lo sabíamos—, sino que esta activación puede ser canalizada con fines terapéuticos. En pacientes con daño neurológico, ciertas redes neuronales permanecen intactas o conservan cierta capacidad de reorganización. La experiencia estética, al movilizar afecto, atención y significado, podría actuar como un andamio cognitivo que facilita la plasticidad y la recuperación funcional.

El "Efecto Miguel Ángel" no es, pues, una metáfora poética, sino un constructo neurocientífico con implicaciones clínicas concretas. Su nombre evoca la excelencia artística, pero su aplicación se extiende a cualquier estímulo estético que genere una respuesta emocional suficientemente intensa como para promover cambios en la arquitectura funcional del cerebro.

Neuroplasticidad y rehabilitación: el arte como herramienta

La neuroplasticidad —la capacidad del sistema nervioso para reorganizarse en respuesta a la experiencia, el aprendizaje o la lesión— es el sustrato biológico de cualquier proceso de rehabilitación cognitiva. Tradicionalmente, los protocolos de rehabilitación se han basado en ejercicios repetitivos, tareas de memoria, atención o lenguaje. La novedad que introduce el artículo es la inclusión de la experiencia estética como un modulador de esa plasticidad (Colombi et al., 2025).

¿Por qué el arte podría ser más eficaz que un ejercicio estándar? Los autores sugieren varias hipótesis. En primer lugar, la contemplación artística moviliza múltiples sistemas cerebrales de manera simultánea: percepción visual, emoción, memoria, atención, reflexión. Esta activación distribuida podría favorecer la reorganización de redes dañadas al involucrar áreas conservadas.

En segundo lugar, la experiencia estética genera placer y motivación. Un paciente que disfruta de una obra de arte está más atento, más comprometido, más predispuesto a sostener el esfuerzo cognitivo. Esto contrasta con la monotonía de ciertos ejercicios terapéuticos tradicionales, que a menudo resultan tediosos o desmotivadores.

En tercer lugar, el arte evoca significados personales y culturales. Una pintura puede desencadenar recuerdos, asociaciones, reflexiones sobre la propia vida. Esta dimensión autobiográfica es especialmente relevante para pacientes con deterioro cognitivo leve o enfermedades neurodegenerativas, donde la preservación de la identidad personal es un objetivo terapéutico en sí mismo.

Los autores proponen, por tanto, que los estímulos estéticos sean considerados intervenciones no farmacológicas de primera línea en determinados perfiles de pacientes. No se trata de sustituir los tratamientos existentes, sino de complementarlos con una herramienta que, además de eficaz, es accesible y de bajo costo.

El contexto del envejecimiento poblacional

El artículo no surge en el vacío. Los autores contextualizan su propuesta en el aumento de la esperanza de vida y el consiguiente incremento de enfermedades neurodegenerativas y accidentes cerebrovasculares (Colombi et al., 2025). Las demencias —especialmente el Alzheimer—, el párkinson y los ictus son hoy desafíos sanitarios de primera magnitud. Y los tratamientos farmacológicos disponibles son, en el mejor de los casos, paliativos o meramente sintomáticos.

En este contexto, la búsqueda de intervenciones no farmacológicas eficaces se ha convertido en una prioridad. La estimulación cognitiva, el entrenamiento físico, la musicoterapia y otras aproximaciones han mostrado beneficios moderados. La neuroestética aplicada se suma ahora a este repertorio con un fundamento empírico sólido y un atractivo adicional: el arte no solo "ejercita" el cerebro, sino que lo hace en un marco de placer y significado, lo que podría aumentar la adherencia a los tratamientos.

Los autores revisan modelos teóricos y evidencias preliminares, pero advierten que aún se necesitan ensayos clínicos controlados para validar la eficacia de estas intervenciones. No obstante, los resultados hasta la fecha son prometedores y justifican la inversión en investigación.

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

Este estudio clínico resuena profundamente con la investigación que venimos desarrollando sobre el modelo S/Y/C del funcionamiento neuronal y la Ley de coherencia biológica (Mallo, 2023, 2025, 2026a, 2026b). Lo que los autores describen como "Efecto Miguel Ángel" no es sino una manifestación de cómo el arte activa las tres dimensiones de nuestra función neuronal.

La dimensión S (Supervivencia) se expresa en el potencial del arte para movilizar el sistema de recompensa y reducir el estrés. En un paciente con daño neurológico, la experiencia estética puede contribuir a la homeostasis cerebral, regulando la activación emocional y facilitando un entorno neuroquímico propicio para la plasticidad. No es casualidad que regiones como el núcleo accumbens o la corteza orbitofrontal —implicadas en el placer y la valoración— se activen ante la belleza. El arte, desde sus orígenes, ha sido un regulador del equilibrio interno.

La dimensión Y (Symbolon) es central para entender el poder terapéutico del arte. El arte no es solo forma: es significado compartido. Cuando un paciente contempla una obra, no solo procesa colores y líneas; evoca recuerdos, interpreta símbolos, conecta con su historia personal y cultural. Esta dimensión simbólica es la que permite que la experiencia estética tenga efectos duraderos, más allá del momento de la contemplación. El symbolon —el acto de reconocimiento mediante códigos compartidos— es el puente entre la neurobiología y la biografía.

La dimensión C (Completitud) se manifiesta en la búsqueda de coherencia que subyace a la experiencia estética. El cerebro humano anhela totalidades, patrones cerrados, significados emergentes. El arte satisface esa pulsión, ofreciendo un orden que calma la incertidumbre y reduce la entropía cognitiva. En un paciente con daño neurológico, cuyo mundo puede haberse fragmentado, la experiencia de completitud que proporciona el arte es doblemente valiosa: no solo ejercita la cognición, sino que restaura una sensación de coherencia existencial.

La Filosofía Quirúrgica nos invita a aplicar un corte analítico preciso a esta propuesta terapéutica. No se trata de reducir el arte a una mera herramienta clínica —eso sería empobrecedor—, sino de reconocer que su eficacia curativa es una consecuencia natural de su función biológica originaria. El arte nació como tecnología homeostática, y la rehabilitación neuropsicológica no es sino una aplicación moderna, sistematizada y científica de esa función ancestral.

Implicaciones para la investigación futura

El artículo de Frontiers in Psychology abre varias líneas de trabajo prometedoras (Colombi et al., 2025). La más urgente es el diseño de ensayos clínicos aleatorizados que comparen la eficacia de intervenciones basadas en arte con tratamientos convencionales o con placebos. ¿Cuántas sesiones son necesarias? ¿Qué tipo de estímulos son más efectivos? ¿Hay diferencias según el perfil del paciente (ictus, Alzheimer, Parkinson)? ¿La familiaridad con el arte modula el efecto?

En segundo lugar, los autores sugieren la necesidad de desarrollar protocolos estandarizados que permitan integrar la neuroestética en los centros de rehabilitación. No se trata de llevar a los pacientes a museos —aunque eso también sería beneficioso—, sino de diseñar intervenciones con dosificación, control y evaluación rigurosa.

En tercer lugar, el estudio invita a explorar la neurobiología subyacente con técnicas de imagen como la resonancia magnética funcional o la electroencefalografía. ¿Qué redes se activan durante la contemplación artística en pacientes con daño cerebral? ¿Cómo difieren de las activaciones en sujetos sanos? ¿Pueden predecirse los beneficios terapéuticos a partir de patrones de activación?

Desde nuestra perspectiva, estos estudios deberían incorporar también una dimensión fenomenológica. No basta con medir qué ocurre en el cerebro; hay que preguntar a los pacientes qué sienten, qué significado otorgan a la experiencia, cómo integran la obra en su narrativa personal. El arte cura, quizás, no solo porque estimula neuronas, sino porque restaura la sensación de ser alguien en un mundo con sentido.

Consideraciones finales: el arte como medicina del espíritu encarnado

El artículo sobre neuroestética y rehabilitación nos recuerda algo que las culturas tradicionales nunca olvidaron: que el arte tiene poder curativo. Pero ahora tenemos herramientas para entender por qué. No es magia, no es placebo. Es biología.

El arte activa las mismas redes neuronales que la recompensa, la emoción y el significado. Moviliza la plasticidad, facilita la reorganización, reduce el estrés. Y lo hace, además, en un marco de placer que aumenta la motivación y la adherencia. En un mundo que envejece, donde las enfermedades neurodegenerativas son cada vez más prevalentes, el arte se presenta como una herramienta accesible, de bajo costo y con escasos efectos secundarios.

Desde nuestra investigación sobre el origen del arte en la especie Homo, vemos en estos hallazgos una confirmación empírica de nuestras tesis (Mallo, 2025, 2026a, 2026b). El arte no nació como lujo, sino como necesidad. No es un adorno de la cultura, sino un mecanismo de regulación biológica. Que ahora pueda emplearse en hospitales y centros de rehabilitación no es una novedad absoluta, sino la recuperación de una sabiduría ancestral bajo el ropaje de la ciencia.

El "Efecto Miguel Ángel" nos enseña que la belleza no solo conmueve el alma. Repara el cuerpo. Y lo hace porque, en el fondo, alma y cuerpo nunca estuvieron separados. El arte cura porque habla directamente a esa unidad funcional que denominamos S/Y/C: supervivencia, símbolo y completitud. Y esa unidad es, precisamente, lo que nos hace humanos.

Referencias bibliográficas

Mallo, B. (2025). Arte y biología: Una aproximación neurofilosófica al origen de la experiencia estética. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y5WZMK

Mallo, B. (2025). Art and biology: A neurophilosophical approach to the origin of aesthetic experience. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://www.amazon.com/dp/B0E8Y6C2XN

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

Enlaces / Links

domingo, 14 de junio de 2026

What Is an AI-Generated Artwork? A Transdisciplinary Proposal

Bernabé Mallo

A review of Leonardo Arriagada's article (2025): Defining an AI-Generated Artwork: A Transdisciplinary Concept for Cognitive Science, Computer Science, and Art Theory

Introduction: the Tower of Babel of artificial intelligence

An AI-generated artwork is, for a computer scientist, a set of probabilistic outputs from a neural network. For a cognitive psychologist, a stimulus that provokes certain responses in the viewer. For an art theorist, an object that challenges traditional categories of authorship, intentionality, and creativity. Each discipline speaks its own language, and the result is often a Tower of Babel where communication is difficult and collaboration nearly impossible.

Leonardo Arriagada, in an article published in 2025 in the journal Calle 14: Revista de Investigación en el Campo del Arte, addresses precisely this problem . His goal is ambitious: to develop a transdisciplinary definition of an AI-generated artwork that serves as a conceptual bridge between cognitive science, computer science, and art theory.

Arriagada's proposal is structured around three essential elements: (1) the autonomous production by AI of a new and surprising idea or artifact; (2) the existence of an internal evaluation mechanism within the system itself; and (3) the consideration of that product as a candidate for appreciation by a human audience.

This definition, as we shall see, is not without philosophical problems, but it has the merit of offering a common starting point for disciplines that often speak without understanding each other. From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, Arriagada's analysis is especially valuable because it forces us to clarify what we mean by "autonomy", "evaluation", and "appreciation" in the context of machine-generated art.

Why do we need a transdisciplinary definition?

Arriagada starts from a realization: the literature on AI-generated art is abundant but fragmented . Computer scientists focus on the technical aspects of generative algorithms (generative adversarial networks, transformers, diffusion models). Cognitive psychologists study how viewers perceive and value these works. Art theorists debate whether AI can be considered an author or whether its products deserve the status of art.

The problem is not merely academic. It has practical implications for copyright attribution, critical evaluation, conservation, and commercialization of these works. Without a common language, disagreements are inevitable and opportunities for interdisciplinary collaboration are lost.

Arriagada's proposal does not pretend to be the definitive definition, but rather a heuristic tool that allows researchers from different fields to dialogue on common ground. His approach is pragmatic: he does not ask what art is in essence, but rather what characteristics an AI-generated object must meet to be considered a legitimate candidate for artistic appreciation.

The three elements of the definition

Arriagada proposes that an AI-generated artwork must meet three conditions .

1. Autonomous production of novelty

The first element is that the AI must produce something new and surprising autonomously. This excludes cases where the system merely reproduces or combines existing patterns without generating true novelty. It also excludes cases where human control is so direct that the AI acts as a mere tool, not as an agent.

The notion of "autonomy" is key here, but also problematic. How autonomous must the AI be? Is it enough that there is no human intervention at the moment of generation, or must the system have learned its criteria on its own without supervision? Arriagada does not offer a definitive answer, but notes that the degree of autonomy can vary and that this variability should be the subject of empirical study.

2. Internal evaluation mechanism

The second element is that the AI must incorporate an internal evaluation mechanism. It is not enough for it to generate something new; the system must be able to evaluate its own productions, to discriminate between successful and unsuccessful results, to select those that deserve to be presented to the human audience.

This mechanism can be explicit (for example, a loss function that penalizes certain outputs) or implicit (for example, the model's own statistics). But without some kind of internal evaluation, the generation would be blind, and the result a mere product of chance.

The inclusion of this element is interesting because it introduces a form of weak intentionality in AI. The system has no consciousness or purposes, but its architecture incorporates value criteria that guide its production. This brings it, however vaguely, closer to the notion of "judgment" that in humans accompanies creativity.

3. Candidate for human appreciation

The third element is that the AI-generated product must be considered a candidate for appreciation by a human audience. Here Arriagada introduces a social and institutional factor. It is not enough for the AI to produce something novel and evaluate it internally. That something must be presented to humans who can appreciate it, interpret it, value it.

This element recognizes that art is, in part, a social institution. An AI-generated work that remains on a computer's hard drive without anyone seeing it is not art, just as Duchamp's readymade would not be art if no one had exhibited it in a gallery. Human appreciation is the act that completes the circuit, that turns a technical artifact into an aesthetic object.

Strengths and weaknesses of the proposal

Arriagada's definition has several strengths. First, it is operational: it provides criteria that can be applied empirically to classify specific cases. Second, it is inclusive: it does not a priori exclude any type of technique or style, as long as the three conditions are met. Third, it is transdisciplinary: it offers a common language for computer scientists, psychologists, and art theorists.

However, it also has important weaknesses. The most obvious is that the definition depends on notions ("novelty", "surprise", "autonomy", "appreciation") that are themselves controversial and require further precision. What counts as "surprise" for a machine? How do we measure "autonomy"? Who decides what is "worthy of appreciation"?

Furthermore, the definition does not directly address the question of intentionality in the strong philosophical sense. A system can have an internal evaluation mechanism without there being anyone "inside" who actually judges or values anything. Evaluation is a function, not an experience. And that distance between function and experience is, as we have seen in other reviews, crucial for distinguishing human art from machine art.

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Arriagada's analysis resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence. His transdisciplinary definition can be reinterpreted in light of our three dimensions.

The S (Survival) dimension reminds us that human appreciation of art is not a purely cognitive act, but is rooted in homeostatic needs. When a human viewer "appreciates" an AI-generated work, their brain is processing stimuli that generate pleasure, activation, curiosity, or emotion. That processing is real, even if the work was made by a machine. Arriagada's definition, by including "human appreciation", implicitly recognizes this dimension.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding the gap between AI's internal evaluation and human appreciation. AI can have evaluation mechanisms that are mathematical functions, but not symbolon: there is no shared recognition, no emergent meaning from an encounter between subjectivities. Human appreciation, by contrast, is always symbolic: we see the work, interpret it, connect it with our personal and cultural history. That is something that AI, by itself, cannot generate. Symbolon —the act of recognition through shared codes— is the patrimony of embodied subjectivity.

The C (Wholeness) dimension points to the human need to close forms, to find coherence. When we appreciate a work, we seek in it a totality that satisfies us. AI can generate formally closed objects, but it does not experience the drive toward wholeness. Its "internal evaluation" is a calculation, not a longing.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in Arriagada's definition. It is not about rejecting it, but about distinguishing levels. At the level of technical production, the definition is useful: it allows us to identify which AI-generated objects deserve to be considered candidates for artistic appreciation. At the level of full aesthetic experience, however, the definition is insufficient, because it does not capture what human appreciation has that is embodied, symbolic, and yearning.

Arriagada offers a tool for building bridges between disciplines. That is valuable. But to understand art in its origin and its function, we need something more: a theory of embodied subjectivity, of lived intentionality, of the drive toward meaning. That is what our research attempts to contribute, with symbolon as a central concept.

Implications for future research

Arriagada's article opens several lines for future research . First, it suggests that the proposed definition should be applied to various types of AI-generated artworks to assess its scope and limits. An image generated by a neural network is not the same as a poetic text produced by a language model, or a symphony composed by an autonomous system. The definition should be able to encompass them all, or be adjusted to do so.

Second, Arriagada notes that the definition has implications for artistic practices . If human artists begin to collaborate with AI systems that meet the three conditions, how does their way of working change? Do they remain the authors, or is authorship distributed? What happens to the notion of "style" or "voice" when the machine can imitate any style?

These questions have no easy answers, and Arriagada's definition does not pretend to resolve them. His contribution is more modest but equally valuable: to provide a common ground for researchers from different disciplines to begin a dialogue. And that dialogue, as we know, is the condition of possibility for any significant advance.

Final considerations: the need for a common language

Leonardo Arriagada's article reminds us that, in such a novel and controversial field as AI-generated art, the first challenge is not to answer questions, but to formulate them well. And to formulate them well, we need clear and shared concepts. His proposal for a transdisciplinary definition is a step in that direction.

From our perspective, that definition is useful but incomplete. Useful because it allows communication between cognitive science, computer science, and art theory. Incomplete because it does not capture the embodied dimension of human aesthetic experience. AI can produce objects that meet Arriagada's three criteria, but those objects, when appreciated by a human, acquire a meaning that is not in the machine, but in the encounter between the work and a living subjectivity.

The origin of art, in the Homo species, was not the production of novel objects or the internal evaluation of autonomous systems. It was the need to express, to communicate, to share what one feels —it was the need for symbolon. That need remains, today, what defines the human against the artificial. And as long as we do not forget that, we can use AI as a tool without confusing it with the source.

References

Arriagada, L. (2025). Defining an AI-generated artwork: A transdisciplinary concept for cognitive science, computer science, and art theory. Calle 14: Revista de Investigación en el Campo del Arte, 20(38), 95–109. https://doi.org/10.14483/21450706.21009

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

Enlaces / Links

¿Qué es una obra de arte generada por IA? Una propuesta transdisciplinar

Bernabé Mallo

Una reseña del artículo de Leonardo Arriagada (2025): Defining an AI-Generated Artwork: A Transdisciplinary Concept for Cognitive Science, Computer Science, and Art Theory

Introducción: la torre de Babel de la inteligencia artificial

Una obra generada por inteligencia artificial es, para un informático, un conjunto de salidas probabilísticas de una red neuronal. Para un psicólogo cognitivo, un estímulo que provoca ciertas respuestas en el espectador. Para un teórico del arte, un objeto que desafía las categorías tradicionales de autoría, intencionalidad y creatividad. Cada disciplina habla su propio lenguaje, y el resultado es a menudo una torre de Babel donde la comunicación es difícil y la colaboración, casi imposible.

Leonardo Arriagada, en un artículo publicado en 2025 en la revista Calle 14: Revista de Investigación en el Campo del Arte, aborda precisamente este problema . Su objetivo es ambicioso: desarrollar una definición transdisciplinar de obra de arte generada por IA que sirva como puente conceptual entre la ciencia cognitiva, la informática y la teoría del arte.

La propuesta de Arriagada se articula en torno a tres elementos esenciales: (1) la producción autónoma por parte de la IA de una idea o artefacto nuevo y sorprendente; (2) la existencia de un mecanismo de evaluación interno al propio sistema; y (3) la consideración de ese producto como candidato a la apreciación por parte de una audiencia humana.

Esta definición, como veremos, no está exenta de problemas filosóficos, pero tiene el mérito de ofrecer un punto de partida común para disciplinas que a menudo hablan sin entenderse. Desde la perspectiva de nuestra investigación sobre el modelo S/Y/C y la Filosofía Quirúrgica, el análisis de Arriagada resulta especialmente valioso porque nos obliga a precisar qué entendemos por "autonomía", "evaluación" y "apreciación" en el contexto del arte generado por máquinas.

¿Por qué necesitamos una definición transdisciplinar?

Arriagada parte de una constatación: la literatura sobre arte generado por IA es abundante, pero fragmentada . Los informáticos se centran en los aspectos técnicos de los algoritmos generativos (redes generativas antagónicas, transformadores, modelos de difusión). Los psicólogos cognitivos estudian cómo los espectadores perciben y valoran estas obras. Los teóricos del arte debaten sobre si la IA puede ser considerada autora o si sus productos merecen el estatus de arte.

El problema no es solo académico. Tiene implicaciones prácticas para la atribución de derechos de autor, la evaluación crítica, la conservación y la comercialización de estas obras. Sin un lenguaje común, los desacuerdos son inevitables y las oportunidades de colaboración interdisciplinar se pierden.

La propuesta de Arriagada no pretende ser la definición definitiva, sino una herramienta heurística que permita a investigadores de diferentes campos dialogar sobre un terreno común. Su enfoque es pragmático: no se pregunta qué es el arte en esencia, sino qué características debe reunir un objeto generado por IA para ser considerado un candidato legítimo a la apreciación artística.

Los tres elementos de la definición

Arriagada propone que una obra de arte generada por IA debe cumplir tres condiciones .

1. Producción autónoma de novedad

El primer elemento es que la IA debe producir algo nuevo y sorprendente de manera autónoma. Esto excluye los casos en los que el sistema se limita a reproducir o combinar patrones existentes sin generar verdadera novedad. También excluye los casos en los que el control humano es tan directo que la IA actúa como una mera herramienta, no como un agente.

La noción de "autonomía" es aquí clave, pero también problemática. ¿Cuán autónoma debe ser la IA? ¿Basta con que no haya intervención humana en el momento de la generación, o es necesario que el sistema haya aprendido sus criterios por sí mismo sin supervisión? Arriagada no ofrece una respuesta definitiva, pero señala que el grado de autonomía puede variar y que esta variabilidad debería ser objeto de estudio empírico.

2. Mecanismo de evaluación interno

El segundo elemento es que la IA debe incorporar un mecanismo de evaluación interno. No basta con que genere algo nuevo; el sistema debe ser capaz de evaluar sus propias producciones, de discriminar entre resultados exitosos y fallidos, de seleccionar aquellos que merecen ser presentados a la audiencia humana.

Este mecanismo puede ser explícito (por ejemplo, una función de pérdida que penaliza ciertas salidas) o implícito (por ejemplo, las propias estadísticas del modelo). Pero sin algún tipo de evaluación interna, la generación sería ciega, y el resultado, un mero producto del azar.

La inclusión de este elemento es interesante porque introduce una forma de intencionalidad débil en la IA. El sistema no tiene conciencia ni propósitos, pero su arquitectura incorpora criterios de valor que guían su producción. Esto la acerca, aunque sea vagamente, a la noción de "juicio" que en los humanos acompaña a la creatividad.

3. Candidato a la apreciación humana

El tercer elemento es que el producto generado por la IA debe ser considerado un candidato a la apreciación por parte de una audiencia humana. Aquí Arriagada introduce un factor social e institucional. No basta con que la IA produzca algo novedoso y lo evalúe internamente. Es necesario que ese algo sea presentado a humanos que puedan apreciarlo, interpretarlo, valorarlo.

Este elemento reconoce que el arte es, en parte, una institución social. Una obra generada por IA que permanece en el disco duro de un ordenador sin que nadie la vea no es arte, del mismo modo que un readymade de Duchamp no sería arte si nadie lo hubiera exhibido en una galería. La apreciación humana es el acto que completa el circuito, que convierte un artefacto técnico en un objeto estético.

Fortalezas y debilidades de la propuesta

La definición de Arriagada tiene varias fortalezas. En primer lugar, es operativa: proporciona criterios que pueden ser aplicados empíricamente para clasificar casos concretos. En segundo lugar, es inclusiva: no excluye a priori ningún tipo de técnica o estilo, siempre que cumpla las tres condiciones. En tercer lugar, es transdisciplinar: ofrece un lenguaje común para informáticos, psicólogos y teóricos del arte.

Sin embargo, también presenta debilidades importantes. La más evidente es que la definición depende de nociones ("novedad", "sorpresa", "autonomía", "apreciación") que son ellas mismas controvertidas y requieren ulterior precisión. ¿Qué cuenta como "sorpresa" para una máquina? ¿Cómo medimos la "autonomía"? ¿Quién decide qué es "digno de apreciación"?

Además, la definición no aborda directamente la cuestión de la intencionalidad en el sentido filosófico fuerte. Un sistema puede tener un mecanismo de evaluación interna sin que haya nadie "dentro" que realmente juzgue o valore nada. La evaluación es una función, no una experiencia. Y esa distancia entre función y experiencia es, como hemos visto en otras reseñas, crucial para distinguir el arte humano del arte de máquina.

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

El análisis de Arriagada resuena profundamente con la investigación que venimos desarrollando sobre el modelo S/Y/C del funcionamiento neuronal y la Ley de coherencia biológica. Su definición transdisciplinar puede reinterpretarse a la luz de nuestras tres dimensiones.

La dimensión S (Supervivencia) nos recuerda que la apreciación humana del arte no es un acto puramente cognitivo, sino que está enraizada en necesidades homeostáticas. Cuando un espectador humano "aprecia" una obra generada por IA, su cerebro está procesando estímulos que le generan placer, activación, curiosidad o emoción. Ese procesamiento es real, aunque la obra haya sido hecha por una máquina. La definición de Arriagada, al incluir la "apreciación humana", reconoce implícitamente esta dimensión.

La dimensión Y (Symbolon) es central para entender el salto entre la evaluación interna de la IA y la apreciación humana. La IA puede tener mecanismos de evaluación que son funciones matemáticas, pero no symbolon: no hay reconocimiento compartido, no hay significado emergente de un encuentro entre subjetividades. La apreciación humana, en cambio, es siempre simbólica: vemos la obra, la interpretamos, la conectamos con nuestra historia personal y cultural. Eso es algo que la IA, por sí misma, no puede generar. El symbolon —el acto de reconocimiento mediante códigos compartidos— es patrimonio de la subjetividad encarnada.

La dimensión C (Completitud) apunta a la necesidad humana de cerrar formas, de encontrar coherencia. Cuando apreciamos una obra, buscamos en ella una totalidad que nos satisfaga. La IA puede generar objetos formalmente cerrados, pero no experimenta la pulsión hacia la completitud. Su "evaluación interna" es un cálculo, no un anhelo.

La Filosofía Quirúrgica nos invita a aplicar un corte analítico preciso a la definición de Arriagada. No se trata de rechazarla, sino de distinguir niveles. En el nivel de la producción técnica, la definición es útil: permite identificar qué objetos generados por IA merecen ser considerados candidatos a la apreciación artística. En el nivel de la experiencia estética plena, sin embargo, la definición es insuficiente, porque no capta lo que la apreciación humana tiene de encarnado, simbólico y anhelante.

Arriagada ofrece una herramienta para tender puentes entre disciplinas. Eso es valioso. Pero para comprender el arte en su origen y en su función, necesitamos algo más: una teoría de la subjetividad encarnada, de la intencionalidad vivida, de la pulsión hacia el sentido. Eso es lo que nuestra investigación intenta aportar, con el symbolon como concepto central.

Implicaciones para la investigación futura

El artículo de Arriagada abre varias líneas para la investigación futura . En primer lugar, sugiere que la definición propuesta debería ser aplicada a diversos tipos de obras de arte generadas por IA para evaluar su alcance y sus límites. No es lo mismo una imagen generada por una red neuronal que un texto poético producido por un modelo de lenguaje, o una sinfonía compuesta por un sistema autónomo. La definición debería ser capaz de abarcarlos a todos, o de ajustarse para hacerlo.

En segundo lugar, Arriagada señala que la definición tiene implicaciones para las prácticas artísticas . Si los artistas humanos empiezan a colaborar con sistemas de IA que cumplen las tres condiciones, ¿cómo cambia su forma de trabajar? ¿Siguen siendo ellos los autores, o la autoría se distribuye? ¿Qué ocurre con la noción de "estilo" o "voz" cuando la máquina puede imitar cualquier estilo?

Estas preguntas no tienen respuesta fácil, y la definición de Arriagada no pretende resolverlas. Su contribución es más modesta pero igualmente valiosa: proporcionar un terreno común para que investigadores de diferentes disciplinas puedan empezar a dialogar. Y ese diálogo, como sabemos, es la condición de posibilidad de cualquier avance significativo.

Consideraciones finales: la necesidad de un lenguaje común

El artículo de Leonardo Arriagada nos recuerda que, en un campo tan novedoso y controvertido como el arte generado por IA, el primer desafío no es responder preguntas, sino formularlas bien. Y para formularlas bien, necesitamos conceptos claros y compartidos. Su propuesta de una definición transdisciplinar es un paso en esa dirección.

Desde nuestra perspectiva, esa definición es útil pero incompleta. Útil porque permite la comunicación entre la ciencia cognitiva, la informática y la teoría del arte. Incompleta porque no capta la dimensión encarnada de la experiencia estética humana. La IA puede producir objetos que cumplan los tres criterios de Arriagada, pero esos objetos, cuando son apreciados por un humano, adquieren un significado que no está en la máquina, sino en el encuentro entre la obra y una subjetividad viva.

El origen del arte, en la especie Homo, no fue la producción de objetos novedosos ni la evaluación interna de sistemas autónomos. Fue la necesidad de expresar, de comunicar, de compartir lo que se siente —fue la necesidad de symbolon. Esa necesidad sigue siendo, hoy, lo que define lo humano frente a lo artificial. Y mientras no olvidemos eso, podremos usar la IA como herramienta sin confundirla con la fuente.

Referencias bibliográficas

Mallo, B. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Tesis doctoral, Universidad del País Vasco - Euskal Herriko Unibertsitatea]. Repositorio ADDI. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, B. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Versión Kindle]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

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sábado, 13 de junio de 2026

AI Art Through Danto's Lens: Rupture or Continuity?

Bernabé Mallo

A review of Raquel Cascales' article (2023): Interpreting AI-Generated Art: Arthur Danto's Perspective on Intention, Authorship, and Creative Traditions in the Age of Artificial Intelligence

Introduction: what would Danto have thought of AI-generated art?

Arthur C. Danto, one of the most influential philosophers of art of the 20th century, passed away in 2013, just before artificial intelligence began to make its mark on the world of aesthetic creation. He did not live to see paintings generated by neural networks, poems written by algorithms, or symphonies composed by autonomous systems. But his philosophy, as Raquel Cascales argues in an article published in 2023 in the Polish Journal of Aesthetics, offers valuable conceptual tools for interpreting this phenomenon .

Cascales asks: how would Danto have applied his ideas about contemporary art, intention, interpretation, and authorship to AI-generated works? And, beyond that, does the irruption of AI into art constitute a new rupture with previous traditions or, on the contrary, does it fall within the same narrative that Danto considered already concluded?

This article, as we shall see, does not offer definitive answers, but it does raise fundamental questions for the philosophy of art in the digital age. From the perspective of our research on the S/Y/C model and Surgical Philosophy, Cascales' analysis is especially valuable because it forces us to refine concepts —intention, authorship, tradition— that are central to understanding the origin of art and its future.

Danto and the end of art: a brief introduction

To understand the relevance of Cascales' analysis, it is necessary to recall some key ideas of Danto. The American philosopher is famous for his thesis of the "end of art" , which should not be misinterpreted as an apocalyptic prophecy. Danto did not argue that art had ceased to be produced or that it had lost its value. Rather, he argued that the master narrative that had guided the history of Western art —the pursuit of faithful representation, the expression of beauty, the exploration of form— had reached its end.

Contemporary art, since the advent of Duchamp's readymade, is characterised as posthistorical: it no longer progresses toward a determined end, but unfolds in an open field of possibilities where anything is permitted, as long as it is accompanied by an interpretation that establishes it as art. What defines a work as art, for Danto, is not any perceptible property, but its inscription in an art world and the interpretation that can be offered of it.

This conception has radical implications for the question of AI. If art is whatever can be interpreted as art within a tradition and a theory, then perhaps a work generated by an algorithm could, in principle, be considered art. But Danto also gave a central role to the intention of the author and belonging to a creative tradition. And here is where tensions arise.

Intention and authorship: can an algorithm have intentions?

Cascales analyses in detail the question of intentionality in AI-generated art . For Danto, the artist's intention is a crucial component of interpretation. Not just any object can be art, but only those that have been made with the intention of being art, or that can be interpreted as if they had been made with that intention within an appropriate historical and theoretical context.

The problem, as Cascales notes, is that AI systems do not have intentions in the human sense of the term. They do not pursue goals, they do not make deliberate decisions, they do not seek to communicate something to a viewer. They process data, optimise functions, generate outputs. But there is no one "inside" who wants to say something. Can an AI-generated work then be considered art in the Dantoian sense?

Cascales suggests that, at this point, Danto's philosophy shows its limits. If intention is indispensable, then AI art would not properly be art. But it is also possible to reinterpret the notion of intention, broadening it to include the intentions of the system's designers, or the uses that viewers make of the work. This is an open path, but not without difficulties.

The question of authorship is parallel. Who is the author of an AI-generated work? The programmer who designed the algorithm? The user who entered the parameters? The system itself? Cascales does not offer a single answer, but points out the complexity of the problem and the need to revise our traditional categories.

Creative tradition and rupture: a new chapter or the definitive end?

One of the most fascinating questions posed by Cascales is whether the irruption of AI into art constitutes a rupture with previous artistic traditions or, on the contrary, falls within the same posthistorical narrative that Danto considered already concluded .

On the one hand, it could be argued that AI represents something radically new. Never before have we had the possibility of delegating the generation of works to autonomous non-human systems. For some, this is an ontological change that redefines what it means to "create". AI is not a tool like the brush or the camera: it is an agent with a certain degree of autonomy, although not of consciousness.

On the other hand, it could be argued that AI is just the latest in a long series of technological innovations that have expanded the possibilities of art. Photography, cinema, and digital imaging were already received with scepticism and finally integrated into artistic practices. AI, from this perspective, would not be a rupture, but a continuation of the same logic of media expansion.

Cascales does not clearly opt for either option. Her main contribution is to show that Danto's philosophy provides a framework for formulating the question with precision, although not for answering it definitively. And that, in itself, is an advance.

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Cascales' analysis resonates deeply with the research we have been developing on the S/Y/C model of neuronal functioning and the Law of Biological Coherence. The question of intention and authorship in AI art forces us to clarify what we understand by these notions and how they relate to the fundamental dimensions of our thesis.

The S (Survival) dimension reminds us that human artistic intention is not a purely rational or disembodied act. It is rooted in homeostatic needs: the artist creates because they feel, because they hurt, because they rejoice, because they need to process the world in order to survive in it. AI, lacking a body and vital needs, cannot have intentions in this full sense. Its "outputs" are not expressions of an internal state, but probabilistic calculations.

The Y (Symbolon) dimension is central to understanding authorship. The artist is, in essence, a living symbolon: a subject who inhabits symbols and shares them with others. The work of art is a symbolon that refers to a subjectivity that inhabited it. AI can manipulate symbols, but cannot inhabit them. Therefore, speaking of "authorship" in the case of AI is, at the very least, problematic.

The C (Wholeness) dimension speaks to the human need to close forms, to achieve coherent totalities. The artist seeks, through their work, to satisfy this drive. AI can generate formally closed objects, but does not experience the need for wholeness. Its "work" is a product, not an act.

Surgical Philosophy invites us to make a precise analytical cut in this debate. It is not about rejecting AI art nor accepting it uncritically. It is about distinguishing levels: the level of the product (the generated work) and the level of the process (the embodied creative act). At the first level, AI can produce artefacts that the artistic community may decide to call "art". At the second level, however, AI cannot occupy the place of the human artist, because it lacks the S, Y, C dimensions that define embodied creativity.

Cascales, by drawing on Danto, offers us a way to think about this distinction. Danto taught us that art is not only a matter of visible properties, but of interpretation and inscription in a tradition. AI can produce works that are interpreted as art within our practices. But what interpretation cannot replace is the absence of an intentional subjectivity that underpins them. And that absence, for those of us who value art as an expression of the living, is insurmountable.

Final considerations: art after Danto and after AI

Raquel Cascales' article has the merit of applying the Dantoian framework to the question of AI-generated art with rigour and balance. It falls neither into uncritical technological enthusiasm nor conservative rejection. It points out tensions and aporias, and invites us to continue thinking.

From our perspective, the question of whether AI produces art is not an empirical question, but a conceptual one. It depends on what we understand by art. If we understand art as a formal product that can be interpreted aesthetically, then AI can produce art. If we understand art as an act of expression of an embodied subjectivity, then AI cannot, in principle, produce art.

Our research on the origin of art in the Homo species inclines us toward the second option. Human art, from its earliest manifestations in Makapansgat or in the caves of the Palaeolithic, has been a testimony of life that knows itself alive. A testimony that implies a body that feels, a symbol that is inhabited, a wholeness that is yearned for. AI can imitate forms, but it cannot generate that source. Because that source is life itself.

And that, perhaps, is what Danto, with his sensitivity for grand narratives, would have understood. Posthistorical art is not art without an artist. It is art in which the artist, aware that all forms are possible, freely chooses to express their embodied, finite, mortal condition. AI cannot make that choice. And that is why, however sophisticated its algorithms, it cannot occupy the place of the creator.

References

Cascales, R. (2023). Interpreting AI-generated art: Arthur Danto's perspective on intention, authorship, and creative traditions in the age of artificial intelligence. Polish Journal of Aesthetics, 71(4), 17–29. https://doi.org/10.7311/2665-2023-4-17

Mallo, Bernabé. (2023). La construcción neuro-simbólica. Una aproximación al funcionamiento del cerebro desde una perspectiva multidisciplinar [Doctoral thesis, University of the Basque Country - Euskal Herriko Unibertsitatea]. ADDI Repository. http://hdl.handle.net/10810/62701

Mallo, Bernabé. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57196

Mallo, Bernabé. (2026a). De la filosofía quirúrgica a la ley de coherencia biológica S/Y/C: Hacia una investigación sobre el origen del arte en la especie Homo [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GYGTJD5C

Mallo, Bernabé. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage. Lopez Mallo, Javier Bernabé. https://isbn.bibna.gub.uy/catalogo.php?mode=detalle&nt=57197

Mallo, Bernabé. (2026b). From surgical philosophy to the law of biological coherence S/Y/C: Toward a study of the origin of art in the Homo lineage [Kindle edition]. Amazon. https://www.amazon.com/dp/B0GY89SZS1

Autor / Author

Bernabé Mallo
Doctor en Filosofía – Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Investigador independiente en neurofilosofía, evolución humana y origen del arte.

Bernabé Mallo
PhD in Philosophy – University of the Basque Country / Euskal Herriko Unibertsitatea (UPV/EHU)
Independent researcher in neurophilosophy, human evolution, and the origin of art.

lunes, 15 de junio de 2026

The Healing Power of Art: When Aesthetic Experience Becomes Therapy

Bernabé Mallo

A review of the article "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introduction: beyond pleasure, towards repair

What is the "Michelangelo Effect"?

Neuroplasticity and rehabilitation: art as a tool

The context of population ageing

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Implications for future research

Final considerations: art as medicine for the embodied spirit

References

Autor / Author

Enlaces / Links

El arte que cura: cuando la experiencia estética se convierte en terapia

Bernabé Mallo

Una reseña sobre el artículo "Neuroaesthetics: exploring the role of aesthetic experience in neurorehabilitation" (Frontiers in Psychology, 2025)

Introducción: más allá del placer, la reparación

¿Qué es el "Efecto Miguel Ángel"?

Neuroplasticidad y rehabilitación: el arte como herramienta

El contexto del envejecimiento poblacional

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

Implicaciones para la investigación futura

Consideraciones finales: el arte como medicina del espíritu encarnado

Referencias bibliográficas

Autor / Author

Enlaces / Links

domingo, 14 de junio de 2026

What Is an AI-Generated Artwork? A Transdisciplinary Proposal

Bernabé Mallo

A review of Leonardo Arriagada's article (2025): Defining an AI-Generated Artwork: A Transdisciplinary Concept for Cognitive Science, Computer Science, and Art Theory

Introduction: the Tower of Babel of artificial intelligence

Why do we need a transdisciplinary definition?

The three elements of the definition

1. Autonomous production of novelty

2. Internal evaluation mechanism

3. Candidate for human appreciation

Strengths and weaknesses of the proposal

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Implications for future research

Final considerations: the need for a common language

References

Autor / Author

Enlaces / Links

¿Qué es una obra de arte generada por IA? Una propuesta transdisciplinar

Bernabé Mallo

Una reseña del artículo de Leonardo Arriagada (2025): Defining an AI-Generated Artwork: A Transdisciplinary Concept for Cognitive Science, Computer Science, and Art Theory

Introducción: la torre de Babel de la inteligencia artificial

¿Por qué necesitamos una definición transdisciplinar?

Los tres elementos de la definición

1. Producción autónoma de novedad

2. Mecanismo de evaluación interno

3. Candidato a la apreciación humana

Fortalezas y debilidades de la propuesta

Conexión con la investigación sobre el origen del arte (S/Y/C)

Implicaciones para la investigación futura

Consideraciones finales: la necesidad de un lenguaje común

Referencias bibliográficas

Enlaces / Links

sábado, 13 de junio de 2026

AI Art Through Danto's Lens: Rupture or Continuity?

Bernabé Mallo

A review of Raquel Cascales' article (2023): Interpreting AI-Generated Art: Arthur Danto's Perspective on Intention, Authorship, and Creative Traditions in the Age of Artificial Intelligence

Introduction: what would Danto have thought of AI-generated art?

Danto and the end of art: a brief introduction

Intention and authorship: can an algorithm have intentions?

Creative tradition and rupture: a new chapter or the definitive end?

Connection with research on the origin of art (S/Y/C)

Final considerations: art after Danto and after AI

References

Autor / Author

Enlaces / Links

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